Machen Sie Kunden zu Stammkunden mit top Treuekarten-Designs
Lassen Sie sich von diesen Treuekarten-Ideen inspirieren – Ihre Kunden werden sie lieben.
Einen Kaffee umsonst. 20% Rabatt. Ein Überraschungsgeschenk. Wir alle kennen und lieben es. Treuekarten sind eine geniale Art und Weise, loyale Kunden zu belohnen und ihnen das Gefühl von Besonderheit zu geben. Außerdem eignen sie sich hervorragend dafür, Ihr Branding mit einem originellen Design zur Schau zu stellen, welches Ihre Kunden bei jedem Besuch zum Lächeln bringt.
Geben Sie Ihren Kunden noch mehr Gründe, Ihre Marke zu lieben. Lassen Sie sich von einigen der originellsten Treuekarten-Beispielen aus unserer kreativen Gemeinschaft inspirieren.
Brooke Henning: Loyal von Kopf bis Pfote
Die britische Grafikdesignerin Brooke Henning hat eine Leidenschaft für Branding und soziale Medien. Die junge Unternehmerin von Brooke Kimberly Creative kennt sich nicht nur bestens mit Druck aus, sondern auch mit der digitalen Welt. Sie hilft kleinen sowie großen Unternehmen dabei, ein kraftvolles und einheitliches Markenerlebnis zu schaffen; sie designt wunderschönes Werbematerial für verschiedene Betriebe, von Kosmetik bis hin zu Pflege-Serviceleistungen.
Für Haustier-Dienst Scruffy to Fluffy hat Brooke verschiedenes Werbematerial designt, inklusive zwei reizende Treuekarten-Designs für den Pflege- und Gassi Service des Unternehmens. “ Das Design wurde von dem genialen Business-Namen meines Kunden inspiriert (ich vergöttere ihn!) – Scruffy to Fluffy – das dunkelgrau ähnelt dem ‘Scruffy’ während das silber dem ‘Fluffy’ gleicht. Durch das Hervorheben der Pfoten Symbole sowie der kursiven Schrift durch Silberfolie hat sie den Karten einen eleganten, minimalistischen Touch verleihen, der die Marke hervorhebt.
Ellie Barker: Strahlend in den Tag
Ellie Barker ist eine Markenidentitäts- und Schreibwaren-Designerin aus Manchester, England. Wenn sie nicht gerade schöne Post- und Glückwunschkarten für Ihre Marke Ellie B. Studio designt, hilft sie Firmen dabei, zu Lifestyle-Marken zu werden, die Persönlichkeit haben und Aufmerksamkeit auf sich ziehen.
Für Butt Naked Aesthetics hat sie eine vielseitige Treuekarte geschaffen, die gleichzeitig als Visitenkarte fungiert. “Die Besitzerin von Butt Naked, Khyre, ist echt glamourös und bildschön. Die Karten sind wie sie in Schreibwaren-Form. Ich habe mich für [das Super-Papier] entschieden, da wir die Karten luxuriös haben wollten, und der spezielle Relieflack hat ihnen noch diesen ganz besonderen Touch verliehen.” Mit der cleveren Verwendung des Relieflack-Finishes hat Ellie eine verspielte Erinnerung an das Markenversprechen geschaffen: Wunderschöne, volle Lippen und eine luxuriöse Erfahrung. Ihr Lieblings-Detail? “Der kleine Butt Naked Stempel auf der Rückseite der Treuekarte, so süß.”
The Logo Page: Die Bank der Loyalität
Zwillinge Ellen und Alex haben ihren Instagram Account The Logo Page ursprünglich zum Spaß gegründet; was als Hobby angefangen hat ist schnell zu einem erfolgreichen Geschäft geworden. Das Duo hat sich auf das Design von Logos und Branding spezialisiert und ist besonders bei Mode und Kosmetikmarken beliebt.
Auf der Suche nach einem heiteren Branding für die Drucke von Cloud Nine Nails haben sich die Schwestern eine einfache aber clevere Treuekarten-Idee ausgedacht. So haben sie dem klassischen Bankkarten-Design ihren eigenen Twist verliehen und sich eine “Bank der Loyalität” Karte ausgedacht, um die Kunden zu belohnen. “Wir lieben es, wie munter und keck sie aussehen, sowie die versteckten Details die man nicht wahrnimmt, außer man schaut ganz genau hin, wie zum Beispiel das Kontaktlos-Symbol und die Wolken-Stempel. Man kann auch den Namen des Kunden darauf schreiben.” Und mit einem reizenden Goldfolien-Finish sehen sie sogar noch besser aus.
Flubble Bubble: Den Nagel auf den Kopf getroffen
Mit Designs die ins Auge stechen und einer guten Portion Humor hat Laura, Gründerin von Flubble Bubble, ein Ziel: Ihre Marke funkiger zu machen (und ihre Pizzasucht zu finanzieren). Ein verlockendes Versprechen von Seiten der jungen Unternehmerin – und eines, welches sie durch ihre frechen und farbenfrohen Designs durchaus zu wahren beabsichtigt.
Für Paige, die talentierte Nagelkünstlerin von All About Nails, hat Laura Millennial Pink mit gotischer Schrift kombiniert. Ebenso hat sie einen Schmetterling integriert, als Wink zu Paiges Lieblings-Nail-Art-Design. Sie hat das Treuekarten-Design zu einem wunderschönen Sammlerstück mit erstklassiger Griffigkeit und abgerundeten Ecken gemacht. Die Krönung war für sie allerdings das Finish mit dem glänzenden Relieflack: “Er wird allen Ansprüchen gerecht – wenn ich könnte, würde ich mein ganzes Leben mit Relieflack versehen!”
Rhianna B. Dunn: Kunden (und umwelt-) freundlich
Die australische Designerin Rhianna B. Dunn ist der Kopf des gleichnamigen Web und Branding Studios. Sie arbeitet mit einer großen Breite an Unternehmen – von Tech Firmen bis hin zu Coffee-Shops – und beherrscht analoges genauso wie interaktives Design, mit dem sie die Marke ihrer Kunden widerspiegelt.
Für das Treuekarten-Design des Chapel Park Cafés verwendet Rhianna Cotton, unser umweltfreundliches Papier, welches aus recycelten T-Shirt-Resten hergestellt wird. “Ich habe [es] verwendet weil es umweltfreundlich ist und eine tolle, natürliche Textur hat. Das unbeschichtete Finish ist perfekt für Treuekarten weil man darauf schreiben und stempeln kann ohne dass etwas verschmiert.” Es hat den Karten einen strukturierten Griff verliehen, der sehr authentisch wirkt.
Emily Bourke: 50 Facetten der Loyalität
Emily Bourke ist eine australische Designerin mit einem Talent für Branding, Grafik- und Digitaldesign. Ihr ist es wichtig, ihr einzigartiges Flair in jedes Projekt einzubringen; sie vereint retro und moderne Ästhetik mit Kunstfertigkeit um die ganz persönliche Signatur ihrer Kunden zu veranschaulichen.
Für die Platinum Nail Bar hat sie einen verträumten Farbverlauf mit einer sauberen aber lebendigen Schrift kombiniert, wobei das Relieflack-Finish ein Spiel mit dem Licht bietet. “Ich bin ganz verrückt nach Relieflack! Ich ermutige jeden mit dem ich arbeite dazu, dessen Drucke mit Relieflack zu versehen. Der Lack schafft eine Art zeitloser Opulenz , die sich mit keinem anderen Finish erzielen lässt.”
Sind Sie bereit, Kundentreue aufzubauen? Kreieren Sie Ihre ganz persönlichen Treuekarten-Designs hier.
Sie sind ein kreatives Unternehmen und eröffnen Ihren ersten Online-Shop? Machen Sie tolle Produktfotos, die für reißenden Absatz sorgen!
Im Online-Verkauf gibt es kaum Dinge, die so wichtig sind wie Ihre Produktfotos. Sie erzählen die Geschichte der Farben, Textur, Größe und Form Ihrer Produkte, und wie sie getragen oder genutzt werden können. Ihre Produkte ,in Action‘ zu zeigen hilft Ihren Kunden, sich vorzustellen, was sie selbst mit Ihren Kreationen anfangen könnten und das wiederum erhöht die Wahrscheinlichkeit, dass sie kaufen.
Es lohnt sich, sich ein wenig Zeit für Ihre Bilder nehmen, aber Sie müssen keine zweite Dorothea Lange sein, um Ihre eigene fantastische Galerie zu erstellen. Sie brauchen nicht mal eine anspruchsvolle Kamera – die meisten modernen Smartphones sind gut genug für den Job. Hier sind ein paar Tipps, wie Sie schnell gute Aufnahmen hinbekommen.
Licht, Licht und noch mehr Licht
Vergessen Sie protzige Kameras – die wichtigste Komponente für ein gelungenes Foto ist die Beleuchtung.
- Fotografieren Sie immer im Tageslicht soweit möglich – es sei denn, Sie haben Zugang zu einem professionellen Studio, wo die Tageslichtbedingungen repliziert werden können.
- Die goldene Regel ist, von der Lichtquelle weg zu fotografieren, nicht in sie hinein. Das heißt, wenn das Licht zum Fenster hereinströmt, stellen Sie sich zwischen das Fenster und Ihre Produkte (und passen Sie auf, keinen Schatten auf die Szene zu werfen).
- Keine schönen großen Fenster vorhanden? Macht nichts – Sie können einen Türeingang als temporäre Lichtquelle nutzen. Wenn möglich, öffnen Sie die Tür und lassen Sie das Licht hereinströmen.
- Sie hätten’s vielleicht nicht gedacht, aber ein bewölkter Tag ist am besten, um Produktbilder zu fotografieren. Die Wolken dienen als natürlicher Diffuser und filtern das Licht, so dass es gleichmäßiger verteilt ist, ohne harsche Sonneneinstrahlung oder starke Schatten.
- Wenn Sie draußen fotografieren, ist ein großer schattiger Bereich wie die Seite Ihres Hauses ein guter Platz für Ihre Session.
- Wenn Sie wenig natürliches Licht zur Verfügung haben – ein häufiges Problem in den Wintermonaten für Leute, die tagsüber arbeiten – könnten Sie versuchen, ein paar LED-Leuchten um Ihren Aufnahmeplatz herum aufzustellen und das Licht mit Backpapier oder Kopierpapier zu streuen.
- Kleinere Gegenstände wie Schmuckstücke auf einer weißen Schaumstoffplatte zu platzieren gibt Ihnen einen schönen hellen Hintergrund ohne glänzende Reflektionen. Sie können auch weiße Schaumstoffplatten um Ihren Aufnahmeplatz herum aufstellen, um das vorhandene Licht zu maximieren.
5 Aufnahmen, die Sie unbedingt machen müssen
Produkte zu fotografieren macht Spaß…die ersten paar Male. Aber es kann schnell zeitaufwendig werden, viele Aufnahmen aus verschiedenen Blickwinkeln zu machen und dann die besten auszuwählen. Wenn Ihr Shop erstmal in Betrieb ist, werden Sie weniger Zeit damit verbringen wollen, Bilder zu durchforsten und mehr damit, Ihr Geschäft zu führen. Ein Standard-Fotoset parat zu haben erleichtert Ihnen die Sache ungemein. Hier ist die Liste mit unseren Must-haves…
- Vorschaubild
Eine Gesamtaufnahme Ihres Produkts macht sich toll als Vorschaubild und wird Leute dazu ermutigen, sich durch Ihr Sortiment zu klicken. Es sollte auch gut für gedruckte Artikel wie Flyer und Postkarten funktionieren.
- Nahaufnahme
Nutzen Sie den Makro-Modus, wenn Ihre Kamera oder Ihr Smartphone ihn hat, und zoomen Sie direkt in die Textur Ihres Produkts hinein, damit Käufer die Qualität sehen können.
- Maßstab-Foto
Ein Bild, das die Größe des Artikels im Verhältnis zu einem alltäglichen Gegenstand wie einer Münze, einem Smartphone oder einer Tür zeigt. Das Produkt im Gebrauch zu zeigen, z.B. in einer Hand oder an einer Schaufensterpuppe, ist ideal, um den Maßstab zu zeigen. Bei Kleidung oder Textilien sind dadurch auch Faltenwurf und Textur erkennbar.
- Rückseitenansicht
Zeigen Sie Ihren Kunden auch die Rück- oder Unterseiten Ihrer Produkte – auch wenn diese beim Gebrauch des Produkts selten sichtbar sein werden. Das Ziel ist, zu replizieren, was sie sehen würden, wenn sie es im wirklichen Leben in 360-Grad-Ansicht vor sich hätten. Wie Ihre Artikel vernäht, gebunden oder auf der Rückseite verarbeitet sind kann ein starker Qualitätsindikator sein.
- Sortiment und Verpackung
Zeigen Sie Ihr Produkt in einer Gruppe, in verschiedenen Farben oder Ausführungen, oder neben ähnlichen Artikeln in einem Sortiment, das Käufer verlocken könnte. Zeigen Sie möglichst die tatsächliche Verpackung, die sie erhalten werden – besonders wenn Sie eine geschenkartige Box oder Verpackung haben. Das hilft Käufern, sich die Ankunft ihres Päckchens vorzustellen und könnte ihnen den letzten Anstoß geben, den „In den Warenkorb“-Button zu klicken.
Mit Vorsicht zu genießen…
Zum Schluss ein paar Dinge, auf die Sie achten sollten, wenn Sie Produktfotos machen.
- Digitale Filter und Bearbeitung können Ihre Produktfarben weniger naturgetreu machen und Ihre Kunden letztendlich verwirren (selbst wenn die Fotos dadurch besser aussehen).
- Blitzlicht kann einen harschen Effekt erzeugen, der die Farben verblassen lässt – probieren Sie die oben genannten Beleuchtungstipps aus, bevor Sie als letzten Ausweg den Blitz einschalten.
- Hintergrund und Reflektionen. Seien Sie nicht die Person, deren alte Socken (oder Schlimmeres) im Hintergrund zu sehen sind oder auf einer glänzenden Oberfläche reflektieren.
Fühlen Sie sich inspiriert? Sehen Sie, wie Keramikerin Lucy Burley Produktfotos in ihren MOO-Designs verwendet
Steve Carty hat als Teenager mit dem Fotografieren begonnen, weil er nicht malen konnte. Das war ein kluger Schritt. Mit Talent, harter Arbeit und einer guten Portion an Unverfrorenheit wurde er zu einem gefragten Porträtfotografen in Toronto und darüber hinaus. Mit seinen lebendigen, ehrlichen Porträts fängt er das echte Wesen seiner Modelle ein, unter welchen sich auch Pharrell Williams und Colin Firth befinden.
Wir haben Carty getroffen um mit ihm über seine Erfahrungen als Porträtfotograf und seinen künstlerischen Prozess zu sprechen, sowie über die cleveren Methoden, mit denen er seine Arbeit bekannt macht.
Erzähle uns etwas mehr über dich. Wie kam dein Interesse für Fotografie zustande?
Ich habe angefangen Fotos zu machen als ich 14 war. Mein älterer Bruder Les ist ein fotorealistischer Maler und war schon von jungem Alter an sehr begabt. Ich wollte so sein wie er, aber ich konnte nicht malen. Mein Vater kaufte eine 35mm Kamera, wie es alle Väter in den 80ern taten, aber leider war er nicht mal dazu in der Lage, sie einzuschalten. Ich half ihm dabei herauszufinden, wie die man die Kamera benutzt. Als ich meine Bilder dann in Druckform gesehen habe war’s das. In meinen jungen Jahren habe ich tatsächlich gedacht, mein Bruder würde Zeit und Arbeit verschwenden, seine Bilder wie Fotografien aussehen zu lassen, während ich einfach nur ein Foto machen musste!
Wie hast du deinen ersten Auftrag als Fotograf in Toronto ergattert?
Ich war 19. Ich zeigte mein Portfolio – welches damals aus einer Sammlung aus Fotos von Freunden bestand – einer großen Modelagentur hier in Toronto. Die Agentin hat es sich angeschaut und hat buchstäblich angefangen zu lachen. Dann ging sie in ein Hinterzimmer, zeigte es anderen Agenten und alle lachten. Ich konnte sie hören. Es war brutal. Ich war ein Kind. Ich war am Boden zerstört.
Ich hatte schon das Telefon in der Hand um meinen nächsten Termin abzusagen. Ich sagte mir “was solls, ich kann nicht zweimal an einem Tag gedemütigt werden,” also behielt ich ihn. Diese zweite Agentin hatte soeben erfahren, dass sie schwanger war und befand sich in bester Laune. Sie sagte, mein Portfolio wäre schrecklich, aber sie erkannte mein Potential. Dann tat sie das, was alles ins Rollen brachte: Sie gab mir Models zum Fotografieren. Ich tat es und sie schickte mir immer wieder Models!
Wie würdest du deinen Stil beschreiben? Was möchtest du mit deiner Arbeit ausdrücken?
Zwei Wörter beschreiben meine Herangehensweise an meine Fotografie: Zeitlos und ehrlich. Es ist ein schlichter Ansatz bei dem mein Subjekt die Hauptrolle spielt. Meine Aufgabe ist es, mein Subjekt so ikonisch und klassisch wie möglich zu erfassen. Ich entwickle mich ständig weiter, lerne Neues und versuche, meine Arbeit zu puschen, um sie auf dem Laufenden zu halten.
Mein Geschäft ist die “Förderung des Menschen.” Der Lieblingsteil meiner Arbeit ist es, wenn ich die Zuneigung einer Person spüre, die ich gerade erst kennengelernt habe – nur weil ich sie in einem so guten Licht abgelichtet habe. Das ist unglaublich erfüllend. Jeder ist ein Star. Jede Session ist die wichtigste.
Thom Yorke ©Steve Carty
Wie bereitest du dich auf Fotoshootings vor? Was magst du am meisten daran?
Mein Vorgang ist sehr unterschiedlich – das können Mood Boards, Produktionsmeetings mit dem Kunden oder eine ganz simple Idee sein, die mir kommt, wenn ich an Ort und Stelle bin. Wenn du innerhalb der umliegenden zwei Häuserblocks keine Stelle findest, an der du deine Magie walten lassen kannst, dann hast du meiner Meinung nach noch sehr viel zu lernen.
Ich lasse Fehltritte zu. Die beste Planung lässt sich selten genau so realisieren. Ich mag es, eine großartige Atmosphäre zu schaffen – viel davon ist von meiner Beziehung zu meinen Subjekten abhängig und davon, ob sie sich mit mir wohlfühlen.
Wie schaffst du es, dass sich Menschen vor deiner Kamera öffnen?
Es geht um den richtigen Ansatz. Ich habe meine Idee sehr schnell vor Augen und verbringe die meiste Zeit damit – besonders bei Celebrities – sie reden zu lassen. Ich versuche, sie einfach reden zu lassen und höre zu. Nichts ist besser als deine Subjekte eine Geschichte erzählen zu lassen.
Ich zeige meinen Subjekten die ersten “10/11” Bilder. Sobald sie einen 11er sehen, habe ich ihre ganze Aufmerksamkeit. Ich höre nicht bei meinem ersten Knaller auf. Ich mache weiter. So habe ich einige meiner kultigsten Bilder geschaffen.
Wie hat sich Fotografie im Laufe der Zeit verändert? Was siehst du Aufregendes für die Zukunft?
Ich bin tatsächlich schon 30 Jahre dabei, also habe ich einiges gesehen. Als ich damals angefangen habe gab es nur Filme, kein Internet. Telefone waren an Wänden fixiert und du musstest schwere Print-Portfolios herumschleppen.
Die digitale Welt hat unendliche Möglichkeiten eröffnet und es Leuten erleichtert, sich mit der Fotografie zu beschäftigen – seit dem ist es etwas abgeflacht. Mobiltelefon-Fotografie hatte einen ähnlichen Effekt, der mittlerweile aber auch abflacht. Die meisten von uns erkennen Bilder, die stark bearbeitet worden sind. Es ist traurig, erklären zu müssen, warum ich Hüften nicht schmaler oder Lippen nicht voller erscheinen lasse. Für mich ist es wichtig, echte Schönheit und echte Menschen zu zeigen.
Nach vorne schauend erfreut mich der Gedanke, Fotografie mehr als Kunst und weniger als Instagram Content zu sehen. Ich freue mich für die nächste Generation, die den Vibe und Fokus verändert und wir als Schöpfer neue Wege haben, unsere Geschichte zu erzählen.
Wie hast du es geschafft, deine Reichweite als Fotograf auszubauen?
Deine Reichweite auszubauen ist ein endloser Prozess. Ich habe immer versucht, an der Spitze der Technologie zu sein. Ich erinnere mich, als ich mein erstes Foto einem Art Director emailte – es hat 10 Minuten gedauert, bis die 200 KB Datei versandt war!
Potenzielle Kunden finden mich hauptsächlich über meine Webseite, also halte ich sie immer auf dem neuesten Stand. Heutzutage geben soziale Medien den Ton an, daher ist es ebenfalls sehr wichtig für mich, eine starke Instagram-Präsenz zu haben. Ich wünschte, die Plattform hätte nicht so viel Macht über uns mit ihrem seltsamen Algorithmus, aber als Fotograf muss ich diese Maschine füttern, um Aufmerksamkeit zu erhalten.
In letzter Zeit habe mich mich dazu hingezogen gefühlt, mit meiner YouTube Serie Behind the Picture vor der Kamera zu reden. In Zeiten in denen Video dominiert, ist YouTube ist ein tolles Tool, um für sich zu werben. Ich kontaktiere potentielle Kunden immer noch, aber entdeckt oder geteilt zu werden ist sehr wichtig.
Kannst du uns erzählen, wie du MOO verwendest, um auf deine Arbeit aufmerksam zu machen?
Ich benutze MOO für meine gesamten Drucke, von meinen Visitenkarten bis hin zu meiner Postkarten-Werbung. Mit der Printfinity Option kann ich die ganze Spannbreite meiner Arbeit zeigen.
Ich habe meine Karten immer dabei. So kann ich meine Arbeit zeigen, von Porträts zu Streetwear. Potenzielle Kunden können mein ganzes Portfolio sehen und sich ihre Lieblingsstücke aussuchen. Die MOO Visitenkarten sind für mich wie kleine Samen. Du händigst eine aus und der Samen ist gepflanzt. Du weißt zwar nicht, wie schnell dieser Samen zu einem Kunden wächst, aber irgendwie passiert es immer.
Ich verwende MOO Postkarten zum Versand, als Handouts und als Dankesschreiben. Sie bringen immer eine Konversation in Gange. “Die sind echt super, “was für eine tolle Art, deine Arbeit zu zeigen”, und “wo hast du die machen lassen?” sind die drei Kommentare, die ich regelmäßig höre.
Hast du ein paar Ratschläge für junge Fotografen?
Junge Fotografen neigen dazu, alles abzulichten. Wenn du einen Arbeitsumfang von Hochzeiten und Mode sowie Porträts und Produkten und und und hast, dann wirst du wahrscheinlich vergessen. Schaffe Dinge, die sich kategorisieren lassen. Angewandte Fotografie ist Arbeit, die Arbeit bekommt.
Verfeinere deinen Look, deinen Stil, deine visuelle Handschrift. Eine überzeugende visuelle Handschrift und eine solide Online-Präsenz sind das Erfolgsrezept, wenn es darum geht, deine Arbeit bekannt zu machen. Respektiere die Älteren, finde einen Mentor, gebe nicht auf, lerne ständig Neues, entwickle dich mit der Zeit, lerne, mit Fehlschlägen umzugehen, bleib positiv und rufe deine Mutter an.
Präsentieren Sie Ihr Portfolio mit Stil mit MOO Visitenkarten und Postkarten.
Es ist wieder soweit. Zeit, neu anzufangen. Zeit, Dinge zu bewegen. Zeit, das Beste aus der sogenannten “neuen Normalität” zu machen und uns auf die (angenehmen) Überraschungen zu freuen, die 2021 für uns bereithält. Neues Jahr, neue Design Trends also? Das letzte Jahr hat uns wunderschöne neue Stile, Paletten und Font-Inspirationen gezeigt und wir denken mit großer Begeisterung darüber nach, was uns in der Designwelt erwartet.
Entdecken Sie die Grafikdesign-Trends von denen wir in 2021 mehr sehen möchten.
Weichere, gedeckte Farbpaletten
Überall auf der Welt haben die Lockdown Einschränkungen dazu geführt, dass wir uns mehr auf die wesentlichen Dinge konzentrieren, die uns durch den Tag bringen. Die Farben des Jahres 2021 scheinen diesem Trend zu folgen – das Ergebnis sind weichere Paletten, bezeichnend für ein ruhigeres Jahr und ein wachsendes Bedürfnis nach beruhigender Ästhetik. Pantone’s Farben des Jahres 2021 – Hellgelb und ein zartes Grau – sind ein gutes Beispiel für eine gedecktere Palette mit Farben, die sich harmonisch ergänzen.
Näher an der Natur
Viele von uns haben aufgrund der Pandemie die Städte hinter sich gelassen. Auch haben wir damit begonnen, unseren urbanen Lebensstil zu überdenken und von einem ruhigen und entspannten Leben auf dem Land zu träumen. Der Ruf der Wildnis verändert nicht nur unsere Vorliebe fürs Wohnen, sondern gestaltet auch Design in 2021 neu. Farben, Materialien, Texturen und Formen werden zunehmend von der Natur beeinflusst und nähren eine umweltbewusstere Seite des Designs.
Zurück zu Serifen-Fonts
Können Sie sich noch an die goldene Ära von Helvetica erinnern? Auch wenn diese noch nicht komplett hinter uns liegt erleben Serifen-Fonts mit ihrer eleganten, verspielten und Retro-inspirierten Typografie gerade ein Comeback. Ein bisschen Jugendstil, ein Hauch von 60iger-Rundungen mit zeitgemäßem Ansatz – unsere Lieblings-Fonts für 2021 sind eine Fusion aus Moderne und Nostalgie. Ganz gleich, ob sie mit feinen Nuancen oder herrlich regressiven Farben kombiniert werden, mit ihren zarten, eleganten Rundungen sind Schriftarten wie Grand Slang oder Glamour Absolute eine (willkommene) Rückkehr zu einfacheren Zeiten.
‘Lo-Fi’ und chaotische Schriftarten
Kunst spiegelt das Leben wieder. Das tun Grafikdesign-Trends ebenso. In diesen unsicheren Zeiten ist Typografie so chaotisch und unberechenbar geworden wie unsere Umwelt. Buchstaben und Wörter befreien sich von ihren üblichen Zwängen und schaffen eine neue, chaotische Ordnung. Weniger Text, ein Layout von willkürlich verstreuten Buchstaben bestimmt: Vergessen Sie die Regeln und lassen Sie die Typografie diese turbulenten Zeiten veranschaulichen. Die Schrift geht durch.
Zine-inspirierte Gestaltungen
Collagenartige Gestaltungen, die an die goldene Ära der Punkmusik erinnern, erleben gerade ein Comeback. Der freie Umgang mit der Kreativität, wie ihn die Zine Kultur gepflegt hat, vereint verschiedene Mittel in einem freudigen, eklektischen Schmelztiegel, der die Designer von heute dazu inspiriert, ihre Komfortzone zu verlassen. Weniger “rein” als unantastbarer Minimalismus und mit einer tiefsitzenden Tradition des Aktivismus geben sie dem Design in 2021 eine spontanere, menschlichere Seite.
Verpackungsdesign auf einem neuen Level
Vom Sofa aus shoppen hat bei vielen von uns das Bummeln in der Einkaufsstrasse ersetzt (aus naheliegenden Gründen). Allerdings ist es nicht leicht, den persönlichen Charakter eines ‘echten’ Einkaufserlebnisses nachzuahmen. Einigen Marken gelingt das durch kreatives Verpackungsdesign. Jedes Päckchen bietet eine Chance, persönlich zu werden. Jedes Päckchen kann ein bisschen von einer Markenstory erzählen. Dieses Jahr freuen wir uns darauf zu erfahren, wie Unternehmen uns mit einem besonderen Auspackerlebnis weiterhin überraschen werden. Bei unseren Lieblings-Design Trends von 2021 geht es vor allem darum, verschiedene Art und Weisen zu erkunden, mit denen eine unverwechselbare Markenidentität in luxuriöse Briefkasten-Überraschungen umgesetzt werden kann. Warum befördern Sie nicht Ihre eigene aufs nächste Level, zum Beispiel mit individuellen Aufklebern von MOO?
Erkunden Sie verschiedene Styles und Design Trends in 2021 und präsentieren Sie Ihr Portfolio auf Papier mit Printfinity.
Amberlee Green ist eine in London lebende Kreativschaffende und Fachkraft für psychische Gesundheit. Mit ihrer Marke Line & Honey nutzt sie ihre einzigartige Erfahrung in Sachen Kunst und Wohlbefinden, um beruhigende Kunstwerke zu kreieren. Minimalistische Linienführung und sanfte, natürliche Farben werden in Illustrationen, Design und textilbasierten Produkten verwendet. Jedes Werk vermittelt ein Gefühl von Wohlbefinden und wirft ein warmes, glühendes Licht auf die Sichtbarkeit von Frauen of Color.
Wir trafen die Gründerin von Line & Honey zum Gespräch über ihren künstlerischen Weg, die Zusammenhänge zwischen Kunst und psychischer Gesundheit und darüber, wie mehr Repräsentation in der Kunst schwarze Frauen ermächtigen und ihr Wohlbefinden verbessern kann.
Erzähl uns ein bisschen mehr über dich. Woher kommt deine Liebe zur Illustration?
Ich bin eine autodidaktische Illustratorin, Forscherin und Vollzeitberaterin für psychische Gesundheit an einer Kunstuniversität in London, UK. Meine kreative Praxis entstand aus diesem Fokus auf Wohlbefinden und Genesung, da ich mit dem Zeichnen als ein Mittel zur persönlichen Selbstfürsorge begann.
Ich habe mein Aufbaustudium an der Division of Psychiatry abgeschlossen, während ich vollzeitbeschäftigt war, und während meiner Abschlussarbeit fühlte ich mich ausgebrannt und erschöpft. Die Illustration diente mir während dieser Zeit als achtsame Aktivität zur Entspannung und ich griff zum ersten Mal zu einem Stift – vorher habe ich gemalt.
Wie würdest du deinen Stil beschreiben?
Mein Illustrationsstil ist linienbasiert und komplex, was zu Arbeiten führt, die entweder sehr detailliert oder fast abstrakt sind. Dieser minimale Stil ist ein direktes Ergebnis der Situation, in der ich mich befand, als ich mit dem Illustrieren begann. Da ich in so einer stressigen Zeit meines Lebens anfing, waren die Arbeiten, die ich kreierte, beruhigend für mich – ich nutzte bedächtige Linien, um Porträts von fiktiven Menschen zu schaffen, die ein fiktives, friedliches Leben führten. Ich erinnere mich, dass ich mich fragte, ob ich Kunstwerke schaffen könnte, die sich mit so wenig Linien wie möglich komplett anfühlten. So entstand Stil, der zu meinem Markenzeichen wurde. Indem ich ein Werk kreierte, das mich beruhigte, war das Ergebnis auch für andere beruhigend.
Was inspiriert dich und was möchtest du durch deine Kunst ausdrücken?
Meine Arbeit ist von zwei Hauptaspekten inspiriert: minimalem Design und schwarzen Frauen. Schwarze Frauen sind der Schlüssel zu meiner kreativen Praxis – ich zeichne, was ich kenne, und Porträts von jungen Frauen, die einfach nur sind, waren das erste, was ich zu zeichnen begann. Ich bin sehr von der Dualität schwarzer Frauen inspiriert, und davon, wie wir in dieser Welt auf mehreren Ebenen existieren, weil wir es müssen.
Minimales Design inspiriert meine Arbeit ebenfalls sehr, weil es das Warum perfekt ergänzt. Line & Honey existiert, um einen weniger gesehenen Blick auf schwarze Frauen zu geben. Ich konzentriere mich auf die weichen, verletzlichen Aspekte unserer Existenz, weil ich diese Seiten von uns sichtbar machen möchte. Die zarte Linienführung unterstreicht die Kompliziertheit und Komplexität des Themas, gedämpfte Farbpaletten spielen mit den Farben unserer Haut und der negative Raum in jeder Arbeit gibt dem Betrachter Raum zum Atmen.
Wie kamst du dazu, deine eigene Marke zu lancieren?
Line & Honey als Illustrationsstudio ist ganz organisch entstanden. Als ich langsam anfing, die Stücke, die ich zeichnete, auf Instagram zu teilen, begann ich, mich langsam zu überzeugen, dass das etwas war, was die Welt auch brauchte.
Eine ‘Geschäftsinhaberin’ zu sein gehörte damals nicht zu meinen Erfahrungen, also war es hauptsächlich viel Kühnheit und Hoffnung meinerseits. Der Schlüssel zu der gesamten Erfahrung war, zu wissen, was ich vermitteln wollte. Ich wollte, dass schwarze Frauen gesehen werden und ich wollte die Linse besitzen, durch die wir gesehen werden. Das hat sich gut auf die Auftragslage des Unternehmens übertragen, denn ich illustriere Markenressourcen für andere Unternehmen, die dasselbe Ziel haben.
Ich kreiere Stücke, die ich bei mir zuhause aufhängen würde – ich bin die Art von Künstlerin, die ihre eigenen Arbeiten aufhängt, und ich schäme mich nicht dafür! Die Sache ist die, Lineart und minimalistische Arbeiten sind das, wozu ich mich hingezogen fühle, und obwohl viele Händler einfache Kunstwerke verkaufen, kommen schwarze Frauen nicht darin vor oder es stecken keine bedeutungsvollen Geschichten dahinter. Ich bin von unserer Komplexität inspiriert.
Intersektionalität scheint in deiner Arbeit eine große Rolle zu spielen. Was glaubst du, wie die Sichtbarkeit schwarzer Frauen in der Kunst ihre Wahrnehmung in der Gesellschaft beeinflusst?
Intersektionalität ist entscheidend, denn eine schwarze junge Frau mit jamaikanischen Eltern in Großbritannien zu sein führt zu einzigartigen Erfahrungen, die unsichtbar sind, wenn sie nicht bewusst in den Vordergrund gerückt werden. Ich bin mir aller Identitätsstränge, die mich ausmachen, sehr bewusst, und während ich dies feiern kann, bin ich mir auch bewusst, dass diese Teile meiner Existenz auch unterschiedlichen Ebenen von Fehlinterpretationen oder Vorurteilen unterliegen können.
Kunst war schon immer ein Vehikel für Innovation, schwierige Gespräche und die Repräsentation verschiedener Zeitepochen, daher ist die Sichtbarkeit von schwarzen Menschen in Kunst und Illustration, wie sie von Schwarzen selbst erzählt wird, revolutionär. Es bringt Permanenz in unsere Existenz, gibt uns Eigentum an unserem eigenen kulturellen Kapital und ermöglicht uns, unsere eigenen Geschichten so zu erzählen, dass jeder sie genießen kann. Dieses Jahr habe ich genau zu diesem Thema einen akademischen Artikel im Journal of Illustration mitverfasst. Ich habe untersucht, wie die positive Darstellung schwarzer Frauen in der Kunst nicht nur unsere psychische Gesundheit fördert, sondern der Welt zeigt, dass wir auf eine Weise existieren, die die Welt nie sieht.
Wie siehst du Kunst als ein Mittel zur Verbesserung des Wohlbefindens?
Für mich können Kunst und Wohlbefinden Hand in Hand gehen. Es dreht sich alles um die Absicht – das gilt sowohl für das Schaffen als auch für die Interaktion mit Kunst. Der physische Akt des Zeichnens kann als eine Übung in Achtsamkeit genutzt werden. Sich die Zeit zu nehmen, ein Thema zu finden, das man liebt, und es bewusst in Szene zu setzen, ist ein erfüllender Prozess.
Dazu kommt der Gedanke, dass insbesondere Frauen of Color von einer positiven Repräsentation in der Kunst profitieren, da sie selbstbegrenzenden Ansichten entgegenwirkt und unendliche Möglichkeiten eröffnet. Illustration bietet eine gemeinsame Sprache, die über Worte hinausgeht, was ihr das Potenzial verleiht, integrativer und zugänglicher zu sein.
Und schließlich sehe ich wirklich den Vorteil von Gemeinschaften, die auf Kreativität ausgerichtet sind. Frauen of Color brauchen diese Räume, um zu atmen und sich wohl zu fühlen, und wir haben so viele Rituale und Aspekte unseres normalen Lebens, die intrinsisch kreativ sind und unser Wohlbefinden fördern.
Hast du einen Rat für andere schwarze Frauen, die sich schwertun, in der Kunstwelt wahrgenommen zu werden?
Intersektionalität muss in der Kunst wirklich berücksichtigt werden. Künstlerinnen werden in diesem Sektor oft nicht gesehen, und schwarze Frauen sind stark unterrepräsentiert. Eine schwarze Frau zu sein bringt also durchaus eine ganze Menge Herausforderungen mit sich. Worauf ich mich gerne konzentriere ist:
- Community. Nicht nur das Support-Netzwerk, das du um dich hast. Ich spreche davon, Menschen zu identifizieren und dich bewusst mit ihnen zu umgeben, die sich in ähnlichen Umständen befinden, wie du – Kreative aller Art, ob du sie kennst oder nicht! Jedesmal, wenn du Instagram öffnest, musst du Menschen sehen, die aussehen, wie du, die jeden Tag kreieren und ihr authentisches Selbst sind. Diese Leute bilden deine Community und erinnern dich daran, dass das, was du tust, möglich ist.
- Kühnheit & Wachstum. Gibt es ein besseres Gegenmittel gegen Negativität als Erfolg? Ich denke, es ist entscheidend, dranzubleiben und seine kreative Praxis trotz der Herausforderungen auszubauen. Für mich war es hilfreich, eine starke visuelle Identität zu entwickeln und konsequent zu bleiben, um die Präsenz von Line & Honey über die Zweifel von Leuten mit “mehr Erfahrung” als ich hinaus zu vergrößern. Kühn mit den Plänen für deine Marke zu sein ist stärker als die Leute, die dich missverstehen wollen.
Wie verwendest du MOO-Produkte, um deine Marke zu promoten?
MOO hat meine allerersten Visitenkarten gedruckt, ich bin dabei geblieben und habe es nie bereut. Ich nutze die Printfinity-Option, um alle meine Illustrationen auf meinen Visitenkarten zu präsentieren und meine Kunden lieben sie. Eine frühere Kundin hat mir ein Bild geschickt, auf dem die Karte bei ihr im Büro hängt, weil sie sie wie ein kleines Kunstwerk empfand. Im Moment nutze ich die Visitenkarten zusammen mit langen glänzenden Flyern, als Dankesnotiz. Die Flyer haben zwei alternative Illustrationen und eine Bestätigung in unserer Markenschrift. Auf der Rückseite schreibe ich von Hand eine Dankesnachricht für jede einzelne Bestellung.
Das ist ein sehr wichtiger Teil meines Markenerlebnisses, denn ich wollte keine generische, getippte Nachricht. Diese Elemente kommen in einen durchscheinenden, matten Luxe-Umschlag, zusammen mit unserem auf Transparentpapier gedruckten Markenmanifest, und einer Versandrechnung, gedruckt auf schönem Recyclingpapier. Texturen sind wirklich wichtig in unserem Unboxing-Erlebnis. Ich kann ehrlich sagen, dass es meine MOO-Produkte sind, die es aufregend für mich machen, meine Illustrationsdrucke zu verpacken und an Kunden zu versenden.
Welchen einen Ratschlag würdest du Kreativen geben, um ihre psychische Gesundheit zu managen?
Kreiert das, was ihr kreieren wollt. Ich würde uns alle dazu ermutigen, uns auf das zu besinnen, was wir eigentlich kreieren wollen und zu verstehen, wie wir uns selbst in jedes Stück einbringen können. Ob es deine Persönlichkeit ist, deine Herkunft, deine Art, mit Worten umzugehen, oder dein ästhetischer Geschmack, identifiziere, was die Grundlage deiner Arbeit sein soll – das, was alle sehen, wenn sie damit interagieren – und bleib dem treu, denn der Kunst- und Designbereich kann überwältigend sein.
Verbreiten Sie Ihre Botschaft stilvoll mit MOO-Visitenkarten und Flyern.