Fideliza tus clientes con diseños de tarjetas de fidelidad
Inspírate con estas ideas de tarjetas de fidelidad y dales a tus clientes una razón más para volver.
Un café gratuito, 20 % de descuento, un regalo sorpresa. A todos nos ha pasado y nos ha encantado. Las tarjetas de fidelización son una excelente manera de premiar a los clientes fieles y hacerlos sentir especiales. También son ideales para enseñar tu marca a través de un diseño original que los hará sonreír y volver, día tras día… por siempre.
Dales a tus clientes una razón más para volver. Inspírate con algunos de los ejemplos de tarjetas de fidelidad más originales de nuestra comunidad creativa.
Brooke Henning: fiel como un perro
La diseñadora gráfica británica Brooke Henning es apasionada de marcas y redes sociales. Sin embargo, la joven emprendedora detrás de Brooke Kimberly Creative domina la impresión tal y como domina lo digital. Comprometida en ayudar a pequeñas y grandes empresas a desarrollar una marca poderosa y coherente, Brooke diseña bonitos productos promocionales para diferentes negocios, desde cosmética hasta servicios de aseo.
Para los servicios para mascotas de Scruffy to Fluffy, Brooke ha creado una gama de materiales de marketing, entre ellos, dos bonitos diseños de tarjetas de fidelidad para los servicios de aseo y paseo para perros. “El diseño está inspirado en el nombre comercial de mi cliente, que me encanta: Scruffy to Fluffy, es decir, de rasposo a suave. El gris oscuro hace referencia a lo desaliñado mientras que el color plata recuerda lo suave.” Resaltando el diseño de la pata y la letra cursiva con el estampado plata, le ha dado un toque elegante y minimalista que enfatiza la marca.
Ellie Barker: ¡Sal y brilla!
Ellie Barker es una diseñadora de artículos de papelería y creadora de identidades de marca de Manchester, Reino Unido. Cuando no está creando postales y tarjetas de felicitación para su marca Ellie B. Studio, se compromete a convertir otras marcas en estilos de vida, para que tengan personalidad y llamen la atención.
Para Butt Naked Aesthetics, ha creado una tarjeta de fidelidad versátil que se convierte en tarjeta de visita. “La dueña de Butt Naked, Khyre, es una mujer glamurosa y guapísima. Creo que estas tarjetas reflejan su forma de ser. He elegido el súper papel porque queríamos que las tarjetas fuesen elegantes y el acabado brillo UV con relieve les da ese toque.” El uso inteligente del acabado brillo UV con relieve nos recuerda, de forma alegra, el compromiso de la marca: labios carnosos, bonitos y una experiencia de lujo. ¿Su parte favorita? “El pequeño logo de Butt Naked en la parte posterior de las tarjetas de fidelidad… Es precioso.”
The Logo Page: el banco de la fidelidad
Las hermanas gemelas Ellen y Alex crearon la cuenta de Instagram The Logo Page por pura diversión, pero lo que empezó como afición se convirtió en un negocio de éxito. Especializadas en diseños de logotipos y marcas, son muy exitosas entre las marcas de moda y belleza.
Mientras estaban en busca de una manera divertida de personalizar los estampados de Cloud 9 Nails, las hermanas llegaron a una sencilla e ingeniosa idea de tarjetas de fidelidad. Dándole un toque personal al diseño de la tarjeta de débito, crearon la tarjeta del “banco de la fidelidad” para premiar a los clientes. “Nos encantan lo divertidas y llamativas que son, además de los detalles ocultos que no notas hasta que las miras desde cerca; por ejemplo, el icono del pago sin contacto y los sellos con forma de nube. Puedes incluso escribir el nombre del cliente”. Gracias al estampado en oro, son mucho más bonitas que las tarjetas reales.
Flubble Bubble: para dar vida a tu marca
Con sus diseños alegres y una buena dosis de humor, Laura, fundadora de Flubble Bubble, tiene un único objetivo: dar vida a tu marca (y financiar su adicción a la pizza). Una promesa atractiva por parte de la joven emprendedora y que pretende mantener con sus diseños coloridos y llamativos.
Para Paige, la talentosa artista de uñas detrás de All About Nails, Laura unió el rosa millennial a la letra gótica. También incluyó una mariposa como referencia al diseño favorito de Paige. Convirtió el diseño de la tarjeta de fidelidad en un maravilloso objeto coleccionable, con una sensación de calidad y ángulos redondeados. Para ella, la guinda del pastel ha sido añadir el acabado brillo UV con relieve: “Cumple con todos los requisitos y si pudiera, lo usaría en todo momento de mi vida.”
Rhianna B. Dunn: atenta a los clientes y al medio ambiente
Aussie designer Rhianna B. Dunn is the brains behind the eponymous web and branding studio. Working with a wide range of businesses, from tech companies to coffee shops, she masters analogue and interactive alike to provide her clients with design that reflects their brand.
La diseñadora australiana Rhianna B. Dunn es la creadora del homónimo estudio de diseño web y branding. Trabaja con una amplia gama de negocios, desde empresas de la industria tech hasta cafeterías. Domina todo tipo de estilo para poder crear diseños que reflejen la marca de sus clientes.
Para el diseño de la tarjeta de fidelidad del Chapel Park Café, Rhianna ha usado Cotton, nuestro papel hecho a partir de restos de camisetas recicladas: “Lo he utilizado porque es ecológico y tiene una buena textura natural. El acabado sin recubrimiento es perfecto para las tarjetas de fidelidad porque puedes escribir y poner sellos sin que se manche.” Es un tipo de textura que transmite autenticidad.
Emily Bourke: 50 sombras de fidelidad
Emily Bourke es una diseñadora australiana con un don para el diseño gráfico, digital y para marcas. Con la misión de ofrecer su toque único en cada proyecto, combina con arte la estética retro y moderna para mostrar el estilo único de sus clientes.
Para el Platinum Nail Bar, ha combinado un maravilloso tono de gradiente con una letra limpia, pero animada, en un juego de luz gracias a un sutil acabado transparente en brillo UV con relieve. “¡Estoy obsesionada con el acabado en brillo UV con relieve! Siempre animo a todas las personas con las que trabajo a que lo usen. El brillo añade un toque de opulencia atemporal que no se puede lograr con otros acabados.”
¿Quieres fidelizar a tus clientes? Crea tus diseños de tarjetas de fidelidad aquí.
¿Tienes un negocio creativo en proceso de lanzamiento de su primera tienda online? Toma fotos de productos fantásticas para que tus productos vuelen de las estanterías.
En el mundo de las ventas online, hay pocas cosas tan importantes como las fotos de tus productos. Cuentan su historia, sus colores, textura, tamaño y forma, y cómo llevarlos o emplearlos. Mostrar tus productos en uso ayuda a los clientes a imaginarse a sí mismos disfrutando de tus creaciones e incrementar las posibilidades de venta.
Merece la pena dedicarle un poco de tiempo a las fotos, pero no hace falta que seas Dorothea Lange para crear tu propia fantástica galería. Ni siquiera necesitas una cámara de lujo, la mayoría de smartphones actuales servirán. Aquí tienes algunos consejos para hacer fotos geniales y rápido.
Luz, luz y más luz
Olvídate de las cámaras profesionales. El ingrediente más importante de una foto es la luz.
- Haz las fotos siempre de día si puedes, a menos que tengas acceso a un estudio profesional donde puedas replicar las condiciones de luz diurnas.
- La regla de oro es enfocar al lado contrario de la fuente de luz, no hacia ella. Así que si la luz viene de la ventana, sitúate entre la ventana y tus productos, con cuidado para no hacer sombra.
- ¿No dispones de grandes ventanas? No pasa nada, puedes utilizar una puerta para crear una fuente de luz temporal. Si es posible, abre la puerta y deja que entre la luz.
- Puede que no te lo parezca, pero un día nublado es el mejor momento de hacer fotos de productos. Las nubes actúan como un difusor de luz natural, filtrando la luz para que se distribuya de manera más natural sin líneas definidas de luz o sombras oscuras.
- Si vas a hacer fotos al aire libre, un área amplia de sombra como uno de los lados de tu casa es un buen emplazamiento.
- Si tienes luz natural limitada (un problema bastante común entre la gente que trabaja en horario de oficina durante el invierno), puedes intentar conseguir lámparas de LED para disponer alrededor de tu espacio de trabajo y difundir la luz con láminas de papel para horno o papel de calco.
- Puedes situar los productos pequeños como joyería en una tabla de corcho blanco para tener un brillante fondo blanco sin reflejos. También puedes poner el corcho alrededor del objetivo de las fotos para ampliar al máximo la luz disponible.
5 fotos imprescindibles
Hacer fotos de productos es divertido… las primeras veces. Pero hacer montones de fotos desde distintos ángulos y elegir las mejores puede llevar mucho tiempo. Cuando tu tienda ya esté funcionando, te interesará pasar menos tiempo eligiendo fotos y más llevando tu negocio. Si tienes una lista de fotos estándar para tomar, la sesión se convertirá en una tarea rápida y sencilla. Estas son nuestras sugerencias para tu lista:
- Miniatura
Una imagen del producto completo que quede genial de miniatura y anime a la gente a hacer clic para ver su descripción. También debería funcionar en productos impresos como Flyers y Postales.
- Primer plano
Empleando el modo macro (si está disponible en tu cámara o smartphone), haz zoom hasta que se pueda ver la textura de producto para que los compradores conozcan su calidad.
- Imagen a escala
Una foto que muestre el tamaño del artículo comparado con un objeto común como una moneda, un smartphone o una puerta. También funciona mostrar el producto en uso, por ejemplo en una mano o en un maniquí. Si tu producto es ropa o tela, también se podrá ver su textura y su caída.
- El dorso
Deja que tus clientes vean la parte posterior o inferior de tus productos también. El objeto es replicar lo que verían si lo tuvieran delante en vivo y en directo. El acabado de tus productos, sus costuras o sus encuadernados por el reverso es un indicador de la calidad.
- Variedad y embalaje
Muestra tu producto en un grupo con un variado de colores y estilos, o al lado de artículos similares que puedan tentar a tus compradores. Intenta mostrar el embalaje en el que llegarán, especialmente si vienen en una caja o envoltorio de regalo. Ayudará a que la gente visualice su recepción y se animen a hacer clic en el botón de “añadir a la cesta.”
¡Atención!
Finalmente, un par de elementos con los que tener cuidado cuando hagas las fotos de tus productos.
- Los filtros y edición digital pueden hacer que los colores de tus productos sean menos fieles a la realidad y que confundan a tus clientes (aunque hagan que las fotos queden mejor).
- El flash puede crear un efecto severo que reduzcan el color. Prueba los consejos anteriores sobre la luz natural antes de acudir al flash como último recurso.
- Fondos y reflejos. No seas esa persona que deja los calcetines sucios (o peor) alrededor y acaban viéndose detrás del producto a la distancia, o se reflejan en una superficie lisa.
¿Estás inspirado? Descubre cómo la alfarera Lucy Burley utiliza las fotos de sus productos en sus diseños MOO
Cuando era adolescente, Steve Carty eligió la fotografía porque no sabía pintar. Y acertó. Gracias a su talento, al esfuerzo y a una buena dosis de osadía, se ha convertido en un apreciado fotógrafo de retrato en Toronto y no solo. Con sus retratos dinámicos y honestos, pretende capturar la esencia profunda de sus modelos, entre ellos, personas como Pharrell Williams y Colin Firth.
Quedamos con Carty para hablar sobre su trayectoria como fotógrafo de retrato, su proceso artístico y su ingeniosidad a la hora de promocionar su trabajo.
Cuéntanos más sobre ti. ¿Cómo surgió tu interés en la fotografía?
Empecé a tomar fotos con 14 años. Les, mi hermano mayor, es un pintor fotorrealista y era muy talentoso desde pequeño. Yo quería ser como él, pero no sabía pintar. Mi padre compró una cámara 35 mm, algo común entre los padres en los años ochenta. Sin embargo, ni siquiera sabía utilizarla, así que lo ayudé. Para mí, fue suficiente ver las imágenes que aparecían en formato impreso. Cuando era pequeño, estaba convencido de que crear pinturas que parecieran fotografías era una pérdida de tiempo, cuando todo lo que había que hacer era sacar una foto.
¿Cómo conseguiste tu primer encargo como fotógrafo en Toronto?
Tenía 19 años. Enseñé mi porfolio —una colección de fotos de amigos— a una gran agencia de modelos aquí en Toronto. La agente le echó un vistazo y se rio, literalmente. Después se fue a un despacho, se lo enseñó a otros agentes y se rieron todos. Los escuché, fue brutal. Yo era un niño, fue desgarrador.
Llevaba mi teléfono en la mano y estaba a punto de cancelar la siguiente cita. Me dije a mí mismo: «¡Al diablo! No me van a humillar dos veces en un día», así que mantuve la cita. La segunda agente acababa de descubrir que estaba embarazada y estaba de buen humor. Me dijo que mi libro era horrible, pero tenía potencial. Entonces hizo algo que dio comienzo a todo: me dio modelos para fotografiar. Yo lo hice y ella siguió mandándome modelos.
¿Cómo describirías tu estilo? ¿Qué quieres expresar con tu trabajo?
Mi enfoque al hacer fotos es simple, atemporal y honesto. Es un enfoque infravalorado que convierte al sujeto en protagonista y mi papel consiste simplemente en fotografiarlo en su forma más icónica y clásica. Evoluciono, aprendo constantemente y me esfuerzo para que mi trabajo siga siendo atractivo.
Mi trabajo es promover a la gente. Mi parte favorita es sentir ese amor viniendo de un sujeto que acabo de conocer una vez que acabo de capturar su luz. Es algo gratificante. Todos son estrellas. Cada sesión es la más importante.
Thom Yorke ©Steve Carty
¿Cómo te preparas para una sesión de fotografía? ¿Cuál es tu parte favorita?
El proceso puede variar; desde paneles de tendencias, a reuniones de producción con el cliente, bocetos, hasta la idea más simple que se me ocurre cuando me encuentro en el lugar. Creo que si eres incapaz de hacer magia en un radio de dos manzanas, entonces tienes mucho trabajo que hacer.
Dejo que ocurran los incidentes. Los planes casi nunca funcionan a la perfección. Me gusta crear entornos increíbles; gran parte de ello consiste en establecer una relación con el sujeto y lograr que esté cómodo.
¿Cómo consigues que las personas se relajen delante de la cámara?
Todo es una cuestión de enfoque. La idea la veo enseguida, luego dejo que hablen, sobre todo cuando son celebridades. Ellos hablan y yo los escucho. No hay nada mejor que dejar que tus sujetos te cuenten una historia.
Comparto las primeras imágenes “11/10” con la persona. Con una 11, tengo toda su atención. Sigo sacando fotos, no importa que una ya haya salido perfecta. Así he creado mis fotografías más icónicas.
¿Cómo crees que ha evolucionado la fotografía a lo largo del tiempo? ¿Qué es lo que más te emociona del futuro?
Llevo 30 años en el sector, he visto mucho. Cuando empecé, solo había carretes, no había internet. Los teléfonos estaban enganchados a la pared y tenías que cargar con portfolios impresos y pesados.
Lo digital abrió un mundo de posibilidades y las personas lo tenían más fácil a la hora de empezar con la fotografía. Es algo se ha ido equilibrando. La fotografía móvil ha tenido un efecto parecido, pero también se ha ido equilibrando. La mayoría de nosotros es capaz de identificar imágenes excesivamente modificadas. Es triste tener que explicarle a la gente que no voy a esculpir caderas o inflar los labios. Para mí, lo importante es enseñar la belleza auténtica, el lado real de las personas.
En cuanto al futuro, lo que más me ilusiona es ver que la fotografía sea considerada más como un oficio y no como simple contenido para Instagram. Me entusiasma el hecho de que la nueva generación pueda cambiar esta tendencia y que, como creadores, encontremos nuevas formas para contar nuestras historias.
¿Cómo conseguiste aumentar tu visibilidad como fotógrafo?
Aumentar la visibilidad es un proceso infinito. Siempre he intentado estar en la vanguardia tecnológica. Aún recuerdo cuando le envié una fotografía a un director artístico por correo electrónico. Tardé 10 minutos en enviar ese archivo de 200 KB.
Mis clientes potenciales me descubren principalmente a través de mi sitio web, así que siempre lo actualizo. Hoy en día, mandan las redes sociales y para mí también es importante tener una presencia sólida en Instagram. Quisiera que no tuvieran tanto poder sobre nosotros con ese extraño algoritmo, pero como fotógrafo, tengo que alimentar a ese monstruo para que me noten.
Últimamente, he sentido el deseo de empezar a hablarle a la cámara en mi serie de YouTube Behind the Picture. YouTube es una excelente manera de promocionarse en una era dominada por el vídeo. Sigo contactando con clientes potenciales, pero es fundamental que te encuentren y compartan tu contenido.
¿Puedes contarnos cómo usas MOO para promover tu trabajo?
Utilizo MOO para todo mi material impreso, desde mis Tarjetas de Visita hasta las Postales para las promociones. Con la opción Printfinity puedo enseñar todo mi trabajo. Siempre llevo las tarjetas conmigo para poder mostrarlo todo, desde los retratos hasta el streetwear. Mis potenciales clientes pueden ver todo el portfolio y elegir sus fotos favoritas.
Para mí, estas Tarjetas de Visita MOO son como pequeñas semillas. Das una y plantas una semilla. Nunca sabes cuánto tardarán las semillas en convertirse en clientes, pero pasa siempre.
Las Postales MOO las utilizo como correos, como pequeños recuerdos para los clientes o como notas de agradecimiento. Tienen el poder de empezar una conversación. «¡Están muy guay!» «¡Qué buena forma de enseñar tu trabajo!» y «¿Cómo las has hecho?» son los 3 comentarios que escucho a menudo.
¿Algún consejo para los jóvenes fotógrafos?
Los nuevos fotógrafos tienden a fotografiarlo todo. Un cuerpo de trabajo muy amplio —desde bodas, moda, primeros planos, productos, hasta composite— se quedará en el olvido. Crea trabajo que se puede categorizar. La fotografía aplicada es un trabajo que lleva a más trabajo.
Perfecciona tu aspecto, tu estilo, tu firma visual. El secreto para enseñar tu trabajo es tener una firma visual potente y una buena presencia online. Respeta a tus mayores, encuentra un mentor, no te rindas, sigue aprendiendo, evoluciona con los tiempos, aguanta los golpes, piensa positivo y… llama a tu madre.
Enseña tu portfolio con estilo gracias a las Tarjetas de Visita y a las Postales MOO.
Estamos otra vez en esa época del año. Una época para empezar desde cero. Una época para desarrollar nuestras ideas. Una época para sacarle el máximo provecho a esta «nueva normalidad» de la que tanto se habla y entusiasmarnos por todas las (buenas) sorpresas que nos ha preparado el 2021. ¿Año nuevo, tendencias nuevas? El año pasado hubo nuevos estilos, paletas y tipos de fuentes. Ahora estamos más que ilusionados por todo lo que nos espera en el mundo del diseño.
Descubre las tendencias en diseño gráfico que deseamos ver más en 2021.
Paletas de colores apagados, más delicados
Debido a las restricciones en todo el mundo, todos nos hemos centrado más en lo esencial para poder salir adelante. Parece que los colores protagonistas de 2021 han seguido esta tendencia, con la aparición de paletas más delicadas que reflejan un año más tranquilo y una necesidad, cada vez mayor, de una estética apaciguadora. Con un amarillo claro y un gris delicado, los colores de 2021 elegidos por Pantone constituyen un buen ejemplo de paleta más apagada, con tonos que se complementan de manera armoniosa.
Acercamiento a la naturaleza
La pandemia nos alejó de las ciudades y nos hizo replantear nuestro estilo de vida urbano y soñar con la calma y silenciosa vida en el campo. Sin embargo, además de nuestras preferencias en términos de viviendas, la llamada de la naturaleza también continuará a definir el diseño en 2021. Colores, materiales, texturas y formas que están influenciadas, cada vez más, por el mundo natural y que cultivan un lado del diseño más consciente del ambiente.
Vuelta a las fuentes Serif
¿Recordáis la era dorada de Helvética? Aunque de momento ha llegado para quedarse, vuelven las fuentes Serif con su tipografía elegante, divertida y de inspiración retro. Un toque de Art Nouveau, una alusión a las curvas de los sesenta con un enfoque contemporáneo, nuestras fuentes favoritas de 2021 son hijas de la modernidad y de la nostalgia. Ya sean combinadas con tonos discretos o con exquisitos colores recesivos, fuentes como Grand Slang o Glamour Absolute, con sus curvas delicadas y elegantes, nos traen de vuelta a una época más tranquila.
Fuentes caóticas, estilo Lo-fi
El arte refleja la vida y lo mismo hacen las tendencias en diseño gráfico. En esta época de incertidumbre, la tipografía se ha vuelto caótica e impredecible, al igual que nuestro entorno. Letras y palabras se liberan de sus cadenas dando vida a un nuevo orden; un orden caótico. Menos texto y un diseño dictado por letras casualmente distribuidas: olvidémonos de las normas y dejemos que la tipografía ilustre esta época confusa. Tipo de fuente: unchained.
Composiciones inspiradas en el fenómeno Zine
Vuelven las composiciones tipo collage que evocan la época dorada de la música punk. El enfoque libre y creativo de la cultura Zine —que combina diferentes medios en un crisol alegre y ecléctico— anima a los diseñadores de hoy a salir de sus zonas de confort. Menos «limpio» respecto al sacrosanto minimalismo y con una tradición profundamente arraigada en el activismo, el diseño de 2021 tendrá un rostro más espontáneo y humano.
Un paso más allá en el diseño de empaque
Para muchos de nosotros, ir de compras desde nuestro sofá ha sustituido los paseos en las calles, por razones muy obvias. Sin embargo, replicar los detalles personales de una experiencia en la tienda no es tarea fácil. Las marcas lo han logrado con el diseño creativo de sus empaques. Cada paquete es una oportunidad para añadir un toque personal. Cada paquete nos cuenta algo más sobre la historia de una marca. Este año, tenemos ganas de ver cómo las marcas nos sorprenderán con sus innovadoras experiencias de unboxing. Las tendencias en diseño de 2021 que nos gustan exploran diferentes formas de traducir la identidad única de una marca en sorpresas agradables esperándonos en el buzón.
¿Por qué no llevas la identidad de tu marca a un nivel superior con los adhesivos de MOO?
Explora diferentes estilos y tendencias en diseño para 2021. Imprime tu portfolio con Printfinity.
Amberlee Green es una profesional creativa y experta en salud mental afincada en Londres. Con su marca Line & Honey, utiliza su experiencia única en el sector del arte y bienestar para crear obras de arte relajantes.El trabajo de línea minimalista y los colores suaves y naturales se utilizan en la ilustración, el diseño y en los productos textiles.Cada pieza transmite una sensación de bienestar y arroja una luz cálida y brillante sobre la visibilidad de las mujeres negras.
Nos reunimos con la fundadora de Line & Honey para hablar sobre su viaje artístico, los vínculos entre el arte y la salud mental, y cómo una mayor representación en el arte puede empoderar y mejorar el bienestar de las mujeres negras.
Cuéntanos un poco más sobre ti. ¿De dónde viene tu amor por la ilustración?
Soy una ilustradora autodidacta, investigadora y especialista de salud mental a tiempo completo en una universidad de artes en Londres, Reino Unido. Mi práctica creativa nació de este enfoque en el bienestar y la recuperación porque comencé a utilizar el dibujo como medio de autocuidado personal.
Completé mi posgrado en la División de Psiquiatría mientras trabajaba a tiempo completo, y durante mi tesis final de investigación estaba completamente agotada. En ese periodo, dibujar se reveló una actividad consciente para relajarme, así que cogí un lápiz por primera vez: solía pintar. El bienestar es la base de todo lo que dibujo.
¿Cómo describirías tu estilo?
Mi estilo de ilustración es intrincado y está compuesto por líneas, lo que conduce a piezas muy detalladas o casi abstractas. Ese estilo minimalista es un resultado directo del espacio en el que me encontraba cuando comencé a ilustrar. Al empezar en un momento tan estresante de mi vida, las piezas que creaba me tranquilizaban: estaba empleando líneas con un movimiento lento para crear retratos de personas ficticias que vivían vidas ficticias y pacíficas. Recuerdo que me pregunté si podía crear obras de arte que parecieran completas con el menor número de líneas posible. Así nació mi estilo característico. Al crear una pieza relajante para mí, también estaba tranquilizando a los demás.
¿Qué te inspira y qué quieres expresar a través de tu trabajo?
Mi trabajo está inspirado por dos cosas principales: el diseño minimalista y las mujeres negras. Las mujeres negras son clave para mi práctica creativa: dibujo lo que sé, y los retratos de mujeres que simplemente existían fue lo primero que comencé a crear. Me sentí realmente inspirada por la dualidad de las mujeres negras y por las múltiples capas de nuestra existencia, porque es así como debe ser.
El diseño minimalista también es una inspiración para mi trabajo; complementa a la perfección el porqué. Line & Honey existe para ofrecer una visión menos común de las mujeres negras. Me centro en los aspectos blandos y vulnerables de nuestra existencia porque quiero visibilizar estos lados de nosotras. Esta delicada ocupación se presta a la complejidad del tema; las paletas de colores apagados juegan con los colores de nuestra piel; y el espacio negativo en cada pieza ofrece al espectador la oportunidad de respirar.
¿Cómo terminaste lanzando tu propia marca?
Line & Honey como estudio de ilustración nació de manera muy orgánica. A medida que compartía mis ilustraciones en Instagram, poco a poco empecé a convencerme de que esto era algo que el mundo también necesitaba.
Ser “dueña de un negocio” no formaba parte de mi experiencia en ese momento, por lo que metí mucha audacia y esperanza de mi parte. La clave de todo fue saber lo que quería transmitir. Quería que las mujeres negras fueran visibles, y quería poseer la lente a través de la cual nos veían. Esto se ha traducido bien en el lado de las comisiones del negocio, ya que enseño los activos de marca para otros negocios que tienen el mismo objetivo.
Creo piezas que colgaría en mi casa. Soy el tipo de artista que cuelga sus propias piezas, ¡y no me da vergüenza! La cuestión es que me atrae el arte lineal y las piezas minimalistas, y aunque muchos minoristas venden piezas de arte simples, no muestran a mujeres negras ni cuentan historias significativas sobre ellas. Me inspira nuestra complejidad.
La interseccionalidad parece desempeñar un papel importante en tu trabajo. ¿Cómo crees que la visibilidad de las mujeres negras en el arte está moldeando su percepción en la sociedad?
La interseccionalidad es clave porque ser una mujer joven negra en el Reino Unido con padres jamaicanos conduce a un conjunto único de experiencias que solo son visibles si se ponen en primer plano de manera consciente. Soy muy consciente de todas las líneas de identidad que me definen, y aunque me alegro por ello, también soy consciente de que estos aspectos de mi existencia también pueden estar sujetos a diferentes capas de malas interpretaciones o prejuicios.
El arte siempre ha sido un vehículo para la innovación, las conversaciones difíciles y la representación de diferentes épocas, por lo que la visibilidad de los negros en el arte y en la ilustración, como lo cuentan ellos mismos, es revolucionaria. Aporta permanencia a nuestra existencia, nos otorga la propiedad de nuestro propio capital cultural y nos permite contar nuestras propias historias de una manera en la que todos pueden disfrutar. Este año, fui coautora de un artículo académico sobre este tema, publicado en el Journal of Illustration. Expliqué cómo la representación positiva de las mujeres negras en el arte no solo promueve nuestra salud mental, sino que muestra al mundo que existimos de una manera diferente, que nadie nunca ve.
¿Cómo puede el arte mejorar el bienestar?
Para mí, arte y bienestar pueden ir de la mano. Todo gira alrededor de la intención; esto se aplica tanto a la creación como a la interacción con el arte. El acto físico de dibujar puede utilizarse para practicar la presencia mental. Tomarse el tiempo para identificar un tema que te gusta y utilizar formas intencionales para exponerlo es un proceso satisfactorio.
Luego está la idea de que las mujeres negras se benefician específicamente de la representación positiva en el arte, ya que contrarresta los puntos de vista autolimitantes y abre posibilidades infinitas. Dibujar proporciona un lenguaje común que va más allá de las palabras, lo que le da el potencial de ser más inclusivo y accesible.
Por último, veo el beneficio de las comunidades centradas en la creatividad. Las mujeres negras necesitan estos espacios para respirar y sentirse bien, y contamos con tantos rituales y aspectos de nuestra vida normal que son intrínsecamente creativos y promueven nuestro bienestar.
¿Tienes algún consejo para otras mujeres negras que luchan por hacerse notar en el mundo del arte?
Hay que tener en cuenta la interseccionalidad en el arte. Las mujeres artistas a menudo pueden pasar desapercibidas en este sector, y las creativas negras no están suficientemente representadas. Así que ser una mujer negra comporta una gran cantidad de desafíos. En esto me gusta centrarme:
- La comunidad. No solo la red de apoyo que tienes a tu alrededor. Estoy hablando de identificarte y rodearte, de manera consciente, de personas que se encuentran en espacios parecidos al tuyo, ¡creativas de todo tipo, que las conozcas o no! Cada vez que abres Instagram, necesitas ver a personas que se parecen a ti, que estén creando y que sean auténticas, cada día. Estas personas forman tu comunidad y te recuerdan que lo que estás haciendo es posible.
- Audacia y crecimiento. ¿Qué mejor antídoto contra la negatividad que el éxito? Creo que es fundamental perseverar y hacer crecer tu práctica creativa, a pesar de los desafíos. Construir una fuerte identidad visual y mantener la coherencia me ayudó a construir la presencia de Line & Honey, más allá de las dudas que tenía de personas “con más experiencia” que yo. Atreviéndote con los planes para tu marca ganarás a las personas que te malinterpretan.
¿Cómo usas MOO para promocionar tu marca?
MOO imprimió mis primeras tarjetas de visita, y no me he arrepentido. Utilizo la opción Printfinity para mostrar todas mis ilustraciones en mis tarjetas de visita, y a mis clientes les encantan. Una cliente anterior envió una imagen colgada en su espacio de oficina, ya que la consideraba como una mini obra de arte en sí misma. En este momento, estoy usando las tarjetas de visita junto con los folletos grandes y brillantes como notas de agradecimiento. Las notas tienen dos ilustraciones diferentes a elegir y una afirmación escrita en la fuente de nuestra marca. En el reverso, escribo a mano una nota de agradecimiento por cada pedido.
Esta es una parte realmente importante de mi experiencia de marca, ya que quería mantenerme alejada de los mensajes genéricos. Estos elementos se colocan en un elegante sobre mate translúcido junto con nuestro manifiesto de marca impreso en papel transparente y una factura de envío impresa en hermoso papel reciclado. Las texturas son realmente importantes en nuestra experiencia de unboxing. Honestamente, puedo decir que son los artículos MOO los que me hacen sentir emocionada al empaquetar mis ilustraciones y enviárselas a los clientes.
¿Cuál es el único consejo que le darías a los creativos para gestionar su salud mental?
Crea lo que deseas crear. Te animo a que te centres realmente en lo que realmente quieres crear y entender cómo meterte en cada pieza. Ya sea por tu personalidad, herencia, tu forma de escribir o tus gustos estéticos, identifica lo que quieres que sea la raíz de tu trabajo, lo que todos ven cuando interactúan con él, y mantente fiel a esto, ya que el espacio de arte y diseño puede ser abrumador.
Difunde la voz con estilo gracias a las Tarjetas de visita y a los Folletos MOO.