Faites revenir vos clients avec de superbes cartes de fidélité
Inspirez-vous avec ces cartes de fidélité et donnez à vos clients une raison de plus de revenir.
Un café gratuit, une réduction de 20%, un cadeau surprise… Nous sommes tous passés par là – et ça nous a bien fait plaisir. Les cartes de fidélité sont un excellent moyen de récompenser les clients fidèles et de les faire se sentir importants. C’est également un parfait moyen de mettre en valeur votre image de marque avec un design original qui les fera sourire à chaque fois qu’ils reviennent, jour après jour (…après jour).
Donnez à vos clients une raison en plus d’aimer votre marque. Laissez-vous inspirer par certains des exemples de cartes de fidélité les plus originaux de notre communauté créative.
Brooke Henning : fidèle de la tête aux pattes
La graphiste britannique Brooke Henning est passionnée par l’image de marque et les médias sociaux. Cependant, la jeune entrepreneuse derrière Brooke Kimberly Creative s’y connaît aussi bien en impression qu’en digital. Souhaitant aider les petites et grandes entreprises à construire une expérience de marque globale puissante et cohérente, elle conçoit de magnifiques supports promotionnels pour diverses entreprises, des cosmétiques au toilettage.
Pour l’entreprise de service pour animaux de compagnie Scruffy to Fluffy, Brooke a conçu une gamme de supports marketing, dont deux jolis modèles de cartes de fidélité, pour leurs services de toilettage et de promenade pour chien. « Le design a été inspiré par le très malin nom d’entreprise de mon client (j’en suis fan !) – From Scruffy to Fluffy – le gris profond rappelle le côté “Scruffy” et l’argent rappelle le côté “Fluffy”. » En mettant en avant les motifs de pattes et la police cursive avec de la Feuille d’Argent, elle a donné une touche élégante et minimaliste permettant à la marque de se démarquer.
Ellie Barker : une touche de relief
Ellie Barker est une consultante en identité de marque et créatrice de papeterie de Manchester, au Royaume-Uni. Lorsqu’elle ne crée pas de belles cartes postales et cartes de vœux pour sa marque Ellie B. Studio, elle s’occupe de transformer les entreprises en marques lifestyle de caractère qui attirent l’attention. Pour Butt Naked Aesthetics, elle a créé une Carte de fidélité versatile faisant aussi office de Carte de Visite. « La fondatrice de Butt Naked, Khyre, est super glamour. Ces cartes, ce sont elle en version papeterie. J’ai opté pour [le papier Super] car nous voulions que les cartes fassent premium, et le Vernis Sélectif en Relief a apporté cette finition haut-de-gamme. » L’utilisation maline d’Ellie du Vernis Sélectif avec Relief est un rappel ludique de la promesse de la marque : de sublimes lèvres pulpeuses et une expérience luxe. Sa partie préférée? « Le petit tampon Butt Naked au dos des cartes de fidélité, si mignon. »
The Logo Page: la banque de fidélité
Les jumelles Ellen et Alex ont créé leur compte Instagram The Logo Page pour le plaisir, mais ce qui a démarré comme un passe-temps s’est rapidement transformé en une affaire prospère. Spécialisées dans la conception de logo et la stratégie de marque, elles connaissent un énorme succès auprès des marques de mode et de beauté.
À la recherche d’une façon amusante de traduire l’image de marque de Cloud 9 Nails sur leur papeterie, les sœurs ont proposé une idée de carte de fidélité simple mais efficace. En revisitant le design de la carte bancaire, elles ont imaginé une carte « banque de fidélité » pour récompenser leurs clients. « Nous adorons leur côté amusant et audacieux et tous les petits détails cachés qu’on ne remarque pas sauf si on les regarde de plus près, tels que le pictogramme sans contact et les tampons en nuage. On peut également écrire le nom du client dessus. » Et avec une belle finition Feuille d’Or, ces cartes sont même plus belles que celle dans notre proche.
Flubble Bubble : rubis sur l’ongle
Avec des designs qui pètent et une bonne dose d’humour, Laura, fondatrice de Flubble Bubble, n’a qu’un seul objectif : améliorer votre marque (et financer son addiction aux pizzas). Une promesse alléchante de la jeune entrepreneuse – et qu’elle entend tenir avec ses créations audacieuses et colorées.
Pour Paige, la talentueuse nail artist derrière All About Nails, Laura a combiné le rose millennial et le style gothique. Elle a également inclus un papillon en guise de clin d’œil au design d’ongle préféré de Paige. Elle a transformé une simple carte de fidélité à tamponner en un magnifique objet de collection, avec une finition de qualité supérieure et des coins arrondis. Pour elle, la cerise sur le gâteau était d’ajouter une finition Vernis Sélectif avec Relief : « [ça] coche toutes les cases, et si c’était possible, ma vie entière serait recouverte de Vernis Sélectif ! »
Rhianna B. Dunn : bon pour la planète (et les clients)
La créatrice australienne Rhianna B. Dunn est le cerveau derrière le studio de consulting marque et web éponyme. Travaillant avec de nombreuses entreprises différentes, qu’il s’agisse de boîtes tech ou de cafés, elle maîtrise à la fois l’analogique et l’interactif pour offrir à ses clients un design qui reflète leur marque.
Pour le design de la carte de fidélité du Chapel Park Café, Rhianna a utilisé Coton, notre papier écologique fabriqué à partir de chutes de T-shirt recyclées : « Je [l’]ai choisi parce qu’il est écologique et possède une super texture naturelle. La finition non laminée est parfaite pour les cartes de fidélité, car vous pouvez écrire et tamponner dessus sans bavures. » Pour une texture synonyme d’authenticité.
Emily Bourke : 50 nuances de fidélité
Emily Bourke est une créatrice australienne avec un don pour le graphisme, l’image de marque et le digital. Apportant son flair unique à chaque projet, elle jongle entre rétro et moderne avec habileté pour refléter l’identité de marque de ses clients.
Pour Platinum Nail Bar, elle a combiné un dégradé de rêve avec une police épurée mais pleine de caractère, jouant avec la lumière grâce à une subtile finition Vernis Sélectif en Relief transparente. « Je suis obsédée par le Vernis Sélectif en Relief ! Je pousse tous ceux avec qui je travaille à ajouter une finition vernie sur presque tout. Le brillant ajoute une touche d’opulence intemporelle simplement impossible à obtenir avec d’autres finitions. »
Prêt à booster votre fidélité client ? Créez votre designs de carte de fidélité ici.
Vous êtes une entreprise créative sur le point de lancer votre boutique en ligne ? Prenez de magnifiques photos de vos produits et ces derniers se vendront comme des petits pains !
Les photos de produits sont l’un des éléments les plus importants de la vente en ligne. Elles montrent les couleurs, la texture, la taille et la forme de vos produits, ainsi que leur utilisation. Le fait de présenter vos produits en contexte permet à vos clients de se projeter, de s’imaginer qu’ils utilisent vos créations, ce qui les rend plus susceptibles d’acheter.
S’il est important de soigner vos photos, vous n’avez pas non plus besoin d’être Robert Doisneau pour mettre au point une galerie qui fonctionne. D’ailleurs, vous n’avez même pas besoin d’un appareil photo très sophistiqué : la plupart des smartphones modernes font très bien l’affaire. Voici quelques astuces pour prendre rapidement des clichés réussis.
De la lumière, toujours plus de lumière
Laissez tomber les appareils hors de prix. Ce qui fait une bonne photo, c’est avant tout l’éclairage.
- Travaillez à la lumière du jour autant que possible, à moins d’avoir accès à un studio professionnel où les conditions extérieures peuvent être reproduites.
- La règle d’or consiste à toujours tourner le dos à la source de lumière lorsque vous prenez votre photo. Si la lumière provient d’une fenêtre, vous devez vous placer entre cette fenêtre et vos produits, en prenant garde de ne pas prendre votre ombre dans la photo.
- Pas de grande fenêtre ? Pas de problème : ouvrez une porte d’entrée pour créer une source d’éclairage.
- Cela vous étonnera peut-être, mais une journée nuageuse réunit les conditions idéales pour prendre vos produits en photo. Les nuages agissent comme des diffuseurs naturels qui filtrent la lumière pour mieux la répartir, sans contrastes forts entre ombres et lumière.
- Si vous prenez vos photos en extérieur, installez-vous plutôt dans une grande zone ombragée, comme l’arrière d’un bâtiment.
- Si vous disposez de peu de lumière naturelle (c’est souvent le cas en hiver pour ceux qui cumulent leur activité avec un poste à plein temps), vous pouvez vous éclairer à l’aide de lampes LED domestiques dont vous filtrez la lumière à l’aide de papier sulfurisé ou de papier à photocopie.
- Pour les objets plus petits comme les bijoux, le carton mousse blanc vous fournira un fond esthétique et éclatant, sans reflet. Vous pouvez aussi placer du carton mousse blanc tout autour de votre espace de prise de vues afin d’obtenir davantage de luminosité.
Cinq prises incontournables
Prendre ses produits en photo est une activité amusante… surtout au début. Multiplier les clichés sous tous les angles avant de sélectionner les meilleures images prend beaucoup de temps. Une fois votre boutique lancée, il vaut mieux que vous passiez moins de temps à trier vos photos et davantage à gérer votre activité. L’étape du tri des photos sera beaucoup plus facile si vous travaillez à partir de prises de vues types. À toutes fins utiles, voici notre liste de clichés à prendre…
- La vignette
Un cliché de votre produit en entier qui rendra très bien en miniature et incitera les gens à cliquer pour passer en revue votre gamme de produits. Ce format donne un bel effet à l’impression sur Flyers ou Cartes Postales.
- Le gros plan
Utilisez si possible le mode macro de votre appareil ou de votre smartphone pour zoomer sur la texture de votre produit. Cela permettra à vos clients d’en apprécier la qualité.
- La représentation de l’échelle
Un cliché qui présentera la taille relative de l’objet à côté d’une pièce, d’un téléphone ou d’une porte. Une autre façon efficace de montrer la taille d’un objet est de montrer son utilisation, dans une main ou sur un mannequin. Si votre produit est un vêtement ou un autre article en tissu, vous montrerez par la même occasion son drapé et sa texture.
- Le verso
Laissez aussi vos clients voir l’arrière ou l’intérieur de votre article, même si ce dernier sera peut visible lorsque le produit sera utilisé. L’objectif est de reproduire une vision à 360°, comme si le client avait le produit devant lui. La façon dont vos produits sont cousus, reliés ou finis au verso est un bon indicateur de leur qualité.
- La gamme complète et l’emballage
Montrez toutes les déclinaisons de votre produit (couleurs ou styles différents) ou accompagnez-le du reste de sa gamme afin de tenter vos acheteurs. Et pourquoi ne pas montrer le produit dans son paquet, en particulier si vous l’envoyez dans une boîte cadeau ou dans un emballage sympa ? Cela invite les gens à imaginer le moment de la réception du colis. Ce sera peut-être l’argument final qui les poussera à cliquer sur « Ajouter au panier ».
Derniers conseils…
Enfin, voici quelques éléments à utiliser avec parcimonie lorsque vous prenez vos photos.
- Les filtres numériques et les retouches rendent vos couleurs moins réelles, ce qui peut dérouter les clients, même si vos photos en sont plus belles.
- Le flash a tendance à atténuer les couleurs. Utilisez-le en dernier recours après avoir suivi les conseils de cet article concernant la lumière.
- Le fond et les reflets : vous ne voudriez pas que vos vieilles chaussettes apparaissent au loin, derrière votre produit ou dans un reflet…
Ça vous inspire ? Découvrez comment la céramiste Lucy Burley utilise ses photos de produits sur ses designs MOO
Steve Carty a commencé la photographie à l’adolescence à défaut de savoir peindre. Cela s’est avéré être une sage décision. Avec du talent, beaucoup de travail et pas mal de culot, il est devenu un photographe portraitiste convoité à Toronto et ailleurs. Avec ses portraits vivants et honnêtes, il cherche à capturer l’essence-même de ses modèles – qui comptent, entre autres, Pharrell Williams et Colin Firth.
Nous avons rencontré Carty pour parler de son parcours de photographe portraitiste, de son processus artistique et de la façon maligne dont il promeut son travail.
Dites-nous en un peu plus sur vous. Comment est né votre intérêt pour la photographie ?
J’ai commencé à prendre des photos à l’âge de 14 ans. Mon frère aîné Les est un peintre photoréaliste et a toujours été très doué. Je voulais faire comme lui mais je ne sais pas peindre. Mon père a acheté un appareil photo 35 mm comme tous les pères dans les années 80, mais il n’arrivait même pas à l’allumer, alors j’ai voulu l’aider à comprendre comment l’utiliser. Tout ce qu’il m’a fallu a été de voir mes images se matérialiser sur du papier photo. J’étais jeune et je ne comprenais pas que mon frère “perde” son temps et son énergie à s’acharner pour que ses peintures ressemblent à des photographies alors que, de mon côté, je n’avais qu’à prendre une photo !
Comment avez-vous décroché votre tout premier boulot de photographe à Toronto ?
J’avais 19 ans. J’ai montré mon portfolio, qui à l’époque était plus une collection de photos d’amis qu’autre chose, à une énorme agence de mannequins ici à Toronto. L’agent l’a regardé et a littéralement ri. Puis elle est allée dans des bureaux, a partagé avec d’autres agents et ils ont tous ri. Je pouvais les entendre. C’était brutal. J’étais un gamin. J’étais au fond du seau.
J’avais littéralement le téléphone en main pour annuler mon prochain rendez-vous. Je me suis dit “allez, merde, c’est pas possible que je me fasse humilier deux fois dans la même journée”, alors je l’ai maintenu. Cette second agent venait de découvrir qu’elle était enceinte et de bonne humeur. Elle a dit que mon book était épouvantable, mais elle a vu mon potentiel. Puis elle a fait ce qui a tout déclenché : elle m’a donné des modèles à photographier. Je l’ai fait, et elle a continué à m’envoyer des modèles !
Comment décririez-vous votre style ? Que souhaitez-vous exprimer avec votre travail ?
J’ai une façon directe de prendre des photos qui les rend intemporelles et honnêtes. C’est une approche discrète, où mon sujet est la star et mon rôle est simplement de les capturer de la manière la plus représentative et la plus classieuse possible. Je suis en constante évolution, toujours en train d’apprendre et de pousser mon travail plus loin pour le garder frais et intéressant.
Mon domaine est celui de la “promotion des personnes”. Ma partie préférée du travail est de ressentir le bonheur d’un sujet que je viens de rencontrer, simplement parce que je l’ai capturé.e sous un jour vraiment positif – c’est incroyablement enrichissant. Tout le monde est une star. Chaque séance photo est super importante.
Thom Yorke ©Steve Carty
Comment préparez-vous vos séances photo ?
Mon processus varie considérablement, des moodboards aux réunions de production client, en passant par les croquis, jusqu’à parfois une idée toute simple directement sur place. Je crois que si tu n’arrives pas à trouver l’endroit parfait dans un rayon de 2 pâtés de maison, beaucoup de travail t’attend.
Je laisse les accidents se produire. Les plans les mieux conçus se déroulent rarement exactement comme prévu. J’aime créer des atmosphères spéciales, et cela provient en grande partie de la relation que je crée avec mes sujets, en les mettant à l’aise avec moi.
Comment amenez-vous les gens à s’ouvrir devant l’objectif ?
C’est une question d’approche. L’idée me vient rapidement et je passe la majorité de mon temps, notamment avec des célébrités, à les écouter me raconter ce qu’il ou elles ont envie de me raconter. J’essaye de les amener à se confier et j’écoute. Il n’y a rien de mieux que de permettre à vos sujets de vous raconter une histoire.
Je partage ensuite avec mon sujet les premières images qui valent un 11 sur 10. Dès qu’ils voient un 11, j’ai toute leur attention. Je ne m’arrête pas à mon premier succès. Je continue. C’est comme ça que j’ai pu créer mes images les plus célèbres.
Comment pensez-vous que la photographie a évolué au fil du temps ? Qu’est-ce qui vous enthousiasme pour l’avenir ?
Ça fait 30 ans que je suis dans le métier, alors j’en ai vu beaucoup. Quand j’ai commencé, tout était sur pellicule, internet n’existait pas. Les téléphones étaient fixes et vous deviez trimballer de lourds portfolios imprimés.
Le numérique a ouvert un monde de possibilités et tout le monde a pu se lancer dans la photographie – ça s’est un peu calmé depuis. L’arrivée d’appareils photo sur nos téléphones portables a eu un effet similaire, mais cela se stabilise également. La plupart d’entre nous savent désormais repérer des images avec beaucoup de retouches. C’est triste de devoir expliquer que non, je ne vais pas affiner les hanches, ni gonfler les lèvres. C’est important pour moi de montrer la vraie beauté, de vraies personnes.
En ce qui concerne l’avenir, j’espère voir la photographie être davantage considérée comme un métier et moins comme du contenu Insta. J’ai hâte que la nouvelle génération fasse bouger les choses et découvre de nouvelles façons de raconter nos histoires, en tant que créateurs.
Comment avez-vous réussi à faire grandir votre audience en tant que photographe ?
Développer son audience est un processus sans fin. J’ai toujours essayé d’être à la pointe de la technologie. Je me souviens quand j’ai envoyé ma première photo à un directeur artistique – il m’avait fallu 10 minutes pour expédier ce fichier de 200 Ko !
Mon site Web est le principal moyen pour des clients potentiels de me découvrir, donc je le garde toujours à jour. Aujourd’hui, les réseaux sociaux sont rois, donc il est crucial pour moi d’avoir une forte présence sur Instagram. C’aurait été mieux si ça n’avait pas autant de pouvoir sur nous avec son étrange algorithme, mais en tant que photographe, je suis obligé de nourrir la bête pour me faire remarquer.
J’ai ressenti le désir récemment de me mettre à parler face à la caméra avec ma série YouTube Behind the Picture. YouTube est un excellent moyen de faire sa promotion, surtout à notre époque où le format vidéo domine. Je suis toujours en contact avec des clients potentiels, mais être découvert ou partagé est la clé.
Pouvez-vous nous expliquer comment vous utilisez MOO pour promouvoir votre travail ?
J’utilise MOO pour toutes mes impressions, de mes Cartes de Visite à mes Cartes Postales promotionnelles. J’ai la possibilité de montrer l’ensemble de mon travail grâce à l’option Printfinity.
J’ai toujours mes cartes sous la main. Cela me permet de montrer mon travail, que ce soit portrait ou streetwear. Comme ça, mes clients potentiels peuvent voir tout mon portfolio et ils sont contents de choisir leurs cartes préférées. Ces Cartes MOO sont comme de petites graines pour moi. Vous en donnez une et une graine est plantée. Vous ne savez jamais à quelle vitesse cette graine se transformera en client, mais cela semble toujours arriver.
J’utilise les Cartes Postales MOO pour mon mailing, comme cartes “souvenir”, ou encore de remerciement. Elles arrivent toujours à lancer la conversation. “Elles sont vraiment belles”, “C’est tellement une bonne façon de montrer votre travail” et “Vous les avez faites comment ?” sont les 3 commentaires qui reviennent le plus.
Un conseil pour les jeunes photographes ?
Les jeunes photographes ont tendance à tout photographier. Avoir un corpus de travail qui va des mariages à la mode en passant par les portraits et les produits et les composites et et et … n’est bon qu’à se faire oublier. Créez un travail qui peut être catégorisé. La photographie appliquée est un travail qui donne du travail.
Affine ton look, ton style, ta signature visuelle. Une signature visuelle forte et une forte présence en ligne sont la formule gagnante pour faire connaître ton travail. Respecte également tes aînés, trouve un mentor, n’abandonne pas, continue à apprendre, évolue avec l’époque, encaisse les coups, reste positif et appelle ta mère.
Présentez votre portfolio avec style grâce aux Cartes de Visite et Cartes Postales MOO.
Et c’est déjà reparti pour un tour. C’est le moment de repartir sur de nouvelles bases. Le moment de faire bouger les choses. Le moment de profiter de ce “nouveau normal” dont on nous rebat les oreilles et de s’enthousiasmer à propos des (bonnes) surprises que 2021 nous réserve. Du coup, nouvelle année, nouvelles tendances design ? Nous avons vu de beaux nouveaux styles, palettes et idées typo l’année dernière, alors nous nous réjouissons d’avance à l’idée de découvrir ce qui nous attend dans l’univers du design cette année.
Découvrez les tendances design graphique que nous aimerions voir plus en 2021.
Des couleurs plus douces et neutres
Avec les restrictions de confinement partout dans le monde, nous nous sommes tous concentrés sur les basiques qui nous aident à tenir le coup. Les couleurs clés de 2021 semblent avoir suivi cette tendance avec une réapparition de palettes plus douces évoquant une année plus lente et un besoin grandissant pour une esthétique calmante. Avec un jaune pâle et un gris doux, les couleurs de l’année 2021 de Pantone sont de bons exemples d’une palette plus neutre composée de nuances complémentaires et harmonieuses.
Plus proche de la nature
La pandémie nous a conduits hors des villes, nous amenant à revoir nos styles de vie urbains et à rêver du calme et de la tranquillité de la vie à la campagne. Mais hormis nos préférences immobilières, l’appel de la nature va également transfigurer le design graphique en 2021. Couleurs, matériaux, textures et formes sont de plus en plus influencés par le monde naturel, nourrissant une face du design plus consciente de l’environnement.
Le retour du Serif
Vous vous souvenez de l’âge d’or d’Helvetica ? Si ce n’est pas encore tout à fait derrière nous, les polices Serif poursuivent leur retour avec des typographies élégantes et d’inspiration rétro. Une touche d’Art Nouveau, une pointe de courbes années 60 avec une approche contemporaine, nos polices préférées pour 2021 sont le croisement entre modernité et nostalgie. Qu’elles soient combinées à des nuances subtiles ou des couleurs délicieusement régressives, les polices telles que Grand Slang ou Glamour Absolute sont un retour en arrière (bienvenu) vers des temps plus simples avec leurs courbes délicates et élégantes.
Typo lo-fi et chaotique
L’art imite la vie. Et les tendances design graphique en font de même. En ces temps incertains, la typographie devient aussi chaotique et imprévisible que notre propre environnement. Les lettres et les mots se libèrent de leurs contraintes habituelles pour créer un nouvel ordre – et il est chaotique. Moins de texte, une mise en page dictée par des lettres disséminées au hasard : oubliez les règles et laissez la typographie illustrer cette période folle. Tapez, libérés (délivrés !) de vos chaînes.
Inspiration fanzine
Rappelant l’âge d’or de la musique punk, les compositions style collage font un grand retour. L’approche libérée de la culture fanzine vis-à-vis de la créativité, mélangée à divers médiums dans un melting pot joyeux et éclectique, pousse les designers d’aujourd’hui à sortir de leur zone de confort. Moins ‘propre’ que le sacro-saint minimalisme et avec une tradition profondément ancrée dans l’activisme, elles donnent un visage plus spontané et humain au design en 2021.
Packaging de niveau supérieur
Faire du shopping depuis notre canapé a remplacé les sessions lèche-vitrines pour beaucoup d’entre nous (confinement oblige). Mais ce n’est pas si facile de répliquer les petites touches personnelles d’une expérience en magasin. Opter pour un packaging ultra-créatif s’est révélé être un compromis parfait pour nombre d’entreprises. Chaque colis est l’occasion de vous rapprocher de votre clientèle. Chaque envoi peut en dire un peu plus sur l’histoire de votre marque.
Nous avons hâte de voir comment les entreprises vont continuer à nous surprendre et nous faire vivre une expérience de déballage de niveau supérieur cette année. Les tendances design de 2021 qui nous font craquer cherchent toutes à découvrir de nouvelles façons de traduire une identité de marque unique en de jolies surprises dans la boîte aux lettres. Pourquoi ne pas passer la vôtre au niveau supérieur, avec des Autocollants personnalisés MOO ?
Découvrez les différents styles et tendances design 2021 et présentez votre portfolio sur papier grâce à Printfinity.
Amberlee Green est une artiste et professionnelle de la santé mentale basée à Londres. Avec sa marque, Line & Honey, elle utilise son expérience unique en bien-être mental et art pour créer des œuvres apaisantes. Lignes minimalistes et des couleurs naturelles rayonnent dans ses illustrations, designs et produits textiles. Chaque pièce transmet un sentiment de bien-être et met en lumière les multiples facettes des femmes de couleur.
Nous avons rencontré la fondatrice de Line & Honey pour parler de son parcours artistique, du lien entre art et santé mentale, et comment la représentation dans l’art peut valoriser et améliorer le bien-être des femmes noires.
Parlez-nous un peu plus de vous. D’où vient votre amour pour l’illustration ?
Je suis illustratrice autodidacte, chercheuse et praticienne en santé mentale dans une faculté d’art à Londres, au Royaume-Uni. Ma pratique créative est née de cette focalisation sur le bien-être et la guérison parce que j’ai commencé à dessiner comme moyen de prendre soin de moi.
J’ai terminé mes études secondaires à la Division de psychiatrie de University College London tout en travaillant à temps plein, et lors de la rédaction de ma thèse finale, je me suis sentie vidée et épuisée. L’illustration a agi comme une activité de pleine conscience pour me détendre pendant cette période, et j’ai pris un stylet pour la toute première fois – j’avais l’habitude de peindre. Le bien-être est à la base de tout ce que je conçois.
Comment décririez-vous votre style ?
Mon style d’illustration est centré sur la ligne, ce qui conduit à des pièces très détaillées ou presque abstraites. Ce style minimal est le résultat direct de l’espace dans lequel j’étais lorsque j’ai commencé à illustrer. En commençant à une période aussi stressante de ma vie, les pièces que je créais m’apaisaient – j’utilisais des lignes réfléchies pour créer des portraits de personnes fictives vivant une vie fictive paisible. Je me souviens m’être demandée si je pouvais créer des œuvres d’art complètes avec le moins de lignes possible. C’est ainsi qu’est né mon style caractéristique. En créant une pièce pour m’apaiser moi, j’ai créé quelque chose qui apaise aussi les autres.
Qu’est-ce qui vous inspire et que voulez-vous exprimer à travers vos œuvres ?
Mon travail s’inspire de deux choses principales : le design minimal et les femmes noires. Les femmes noires sont la clé de ma pratique créative – je dessine ce que je connais, et les portraits de femmes qui simplement sont ont été la première chose que j’ai commencé à dessiner. Je suis vraiment inspirée par la dualité des femmes noires et par la façon dont nous existons avec plusieurs couches dans ce monde, parce que nous le devons.
Line & Honey existe pour offrir une vision moins connue des femmes noires
Mon travail s’inspire aussi beaucoup du style minimaliste, car il est parfaitement complémentaire du pourquoi. Line & Honey existe pour offrir une vision moins connue des femmes noires. Je me concentre sur les aspects doux et vulnérables de notre existence parce que je veux que ces aspects de nous soient visibles. Le dessin au trait délicat se prête à la complexité du sujet ; les palettes de nuances pâles mettent en valeur les couleurs de notre peau ; et l’espace négatif dans chaque pièce laisse le spectateur respirer.
Comment en êtes-vous arrivée à lancer votre propre marque ?
Line & Honey en tant que studio d’illustration s’est créé de manière très organique. Alors que je commençais tout doucement à partager les pièces que je dessinais sur Instagram, j’ai progressivement commencé à me convaincre que c’était quelque chose dont le monde avait besoin lui aussi.
Je voulais posséder l’objectif à travers lequel nous étions vues
Je n’avais jamais eu d’expérience comme « gérante d’entreprise » à l’époque, donc c’était surtout beaucoup d’audace et de doigts croisés de mon côté. Le plus important était de savoir ce que je voulais transmettre. Je voulais que les femmes noires soient vues et je voulais posséder l’objectif à travers lequel nous étions vues. Cela s’est bien traduit du côté des commissions pour l’entreprise, car j’illustre des contenus de marque pour d’autres entreprises qui ont le même objectif.
Je crée des pièces que j’accrocherais chez moi – je suis le genre d’artiste qui accroche ses propres pièces, et j’en suis fière ! Le fait est que les dessins au trait et les pièces minimales sont ce qui m’attire, et bien que de nombreux détaillants vendent des œuvres d’art simples, elles ne montrent pas de femmes noires ou n’ont pas d’histoires significatives derrière elles. Notre complexité m’inspire.
L’intersectionnalité semble jouer un rôle important dans votre travail. Comment pensez-vous que la visibilité des femmes noires dans l’art façonne leur perception dans la société ?
L’intersectionnalité est essentielle car être une jeune femme noire au Royaume-Uni avec des parents jamaïcains mène à un ensemble unique d’expériences qui sont invisibles à moins d’être consciemment mises en avant. J’ai tout à fait conscience de tous les différents éléments d’identité qui font de moi moi, et bien que je puisse célébrer cela, je suis également consciente que ces parties de mon existence peuvent également être sujettes à différents niveaux d’interprétation fausse ou de préjugés.
L’art a toujours été un vecteur d’innovation, de conversations difficiles et de représentation de différentes périodes. Par conséquent, la visibilité des Noirs dans l’art et l’illustration, telle que racontée par les Noirs eux-mêmes, est révolutionnaire. Il apporte une permanence à notre existence, nous permet de posséder notre propre capital culturel et nous permet de raconter nos propres histoires d’une manière qui peut être appréciée par tout le monde. Cette année, j’ai coécrit un article académique dans le Journal of Illustration précisément sur ce sujet. J’ai examiné en quoi la représentation positive des femmes noires dans l’art favorise non seulement notre santé mentale, mais montre au monde que nous existons d’une manière que le monde ne voit jamais.
En quoi voyez-vous l’art comme un moyen d’améliorer son bien-être ?
Pour moi, art et bien-être peuvent aller de pair. Tout est une question d’intention – cela vaut à la fois quand on crée ou quand on interagit avec l’art. L’acte physique de dessiner peut être utilisé comme un exercice de pleine conscience. Prendre le temps d’identifier un thème que vous aimez et utiliser des moyens intentionnels de le mettre en avant est un processus gratifiant.
L’illustration fournit un langage commun qui va au-delà des mots
Ensuite, il y a l’idée que les femmes de couleur bénéficient spécifiquement d’une représentation positive dans l’art car cela contrecarre les opinions auto-limitatives et ouvre des possibilités infinies. L’illustration fournit un langage commun qui va au-delà des mots, ce qui lui donne le potentiel d’être plus inclusif et accessible.
Enfin, je vois vraiment l’intérêt des communautés centrées autour de la créativité. Les femmes de couleur ont besoin de ces espaces pour respirer et se sentir bien, et nous avons de nombreux rituels et aspects de notre vie de tous les jours qui sont intrinsèquement créatifs et favorisent notre bien-être.
Avez-vous des conseils à donner à d’autres femmes noires qui luttent pour se faire remarquer dans le monde de l’art ?
L’intersectionnalité doit vraiment être prise en considération dans le monde de l’art. Les artistes femmes sont souvent invisibles dans cette industrie et les créations noires sont largement sous-représentées. Être une femme noire vient donc définitivement avec son lot de difficultés. Ce sur quoi j’aime me concentrer, c’est :
- La communauté. Pas seulement le réseau de soutien que vous avez autour de vous. Je parle de s’identifier et de s’entourer consciemment de personnes qui se trouvent dans des espaces similaires aux vôtres – des créatifs et créatives de toutes sortes, que vous les connaissiez ou non ! Chaque fois que vous ouvrez Instagram, vous devez voir des personnes qui vous ressemblent, créent et sont elles-mêmes et honnêtes chaque jour. Ces personnes forment votre communauté et vous rappellent que ce que vous faites est possible.
- L’audace et la croissance. Quel meilleur antidote à la négativité que le succès ? Je pense qu’il est essentiel de continuer et de développer votre pratique créative, malgré les défis. Pour moi, construire une identité visuelle forte et rester cohérente a aidé à construire la présence de Line & Honey au-delà des doutes de personnes ayant « plus d’expérience » que moi. Être audacieux et avoir de l’ambition pour votre marque sera plus fort que les personnes qui cherchent à mal vous comprendre.
Comment utilisez-vous MOO pour promouvoir votre marque ?
MOO a imprimé mes toutes premières cartes de visite, et je ne l’ai jamais regretté. J’utilise l’option Printfinity pour présenter toutes mes illustrations sur mes cartes de visite, et mes client.e.s les adorent. Une cliente récente a envoyé une photo de l’une d’elles accrochée dans son espace de travail car elle trouvait que c’était comme une mini œuvre d’art en soi. Pour le moment, j’utilise les Cartes de visite et les longs Flyers brillants comme mots de remerciement. Les flyers ont un choix de deux illustrations différentes et une citation dans la police de notre marque. Au dos, j’écris à la main un mot de remerciement pour chaque commande.
C’est un aspect très important de l’expérience client de ma marque, car je voulais éviter un message dactylographié générique. Ces éléments sont placés dans une enveloppe mate translucide luxe avec notre manifeste de marque imprimé sur du papier transparent et une facture d’expédition imprimée sur un beau papier recyclé. Les textures sont vraiment importantes dans notre expérience d’unboxing. Je peux dire en toute honnêteté que ce sont mes pièces MOO qui me donnent envie d’emballer soigneusement mes illustrations et de les envoyer aux client.e.s.
Quel conseil donneriez-vous aux créatifs pour prendre soin de leur santé mentale ?
Créez ce que vous avez envie de créer. Je nous encourage toutes et tous à vraiment nous positionner sur ce que nous voulons réellement créer et à bien comprendre comment nous pouvons nous exprimer dans chaque pièce. Qu’il s’agisse de votre personnalité, de votre héritage, de votre façon de vous exprimer ou de vos goûts esthétiques, identifiez ce que vous voulez être la racine de votre travail – ce que tout le monde voit lorsqu’il interagit avec – et restez fidèle à cela, car le monde de l’art et du design peut s’avérer imposant.
Faites passer le mot avec style avec les Cartes de visite et Flyers MOO.